Der letzte Raum

Körper Louise Bourgeois war Pionierin der Installationskunst und Meisterin der Inszenierung intimer Einblicke. Der Berliner Schinkel Pavillon zeigt jetzt ihr Spätwerk
Der letzte Raum
Der Mensch entsteht in der Intimität und lebt zunächst auch in ihr. Spät erst taucht eine Außenwelt auf

„Umbilical Cord“ 2003, Detail, Private Collection/© The Eston Foundation/VG Bild-Kunst; Foto: Christopher Burke

Sie rechne sich zur „Schule der Intimisten“, hat Louise Bourgeois im Gespräch mit der Publizistin Christiane Meyer-Thoss einmal gesagt. Die Intimisten, das waren Ende des 19. Jahrhunderts Maler wie Pierre Bonnard und Éric Vuillard, die das private Interieur zum Psychogram seiner Bewohner aufluden. Warum sich Louise Bourgeois – Pionierin der Installationskunst und Wegbereiterin einer feministischen Kunst – gerade in die Nachfolge dieser männlichen Maler stellte, muss damit zusammenhängen, dass sie das Sujet des privaten Raums als Dreh- und Angelpunkt ihrer künstlerischen Arbeit nicht oft genug betonen konnte.

Von ihren Anfängen als Künstlerin im Paris der 1930er Jahre bis zu ihrem Tod 2010 in New York entwickelt sich Louise Bourgeois zu einer Meisterin der Inszenierung intimer Einblicke, wie auch ihr Spätwerk zeigt, das derzeit in Berlin zu sehen ist. Noch bis Ende Juli läuft die Ausstellung The Empty House im Schinkel Pavillon, einem idealen Ort, um der Fragilität des Daseins à la Louise Bourgeois nachzuspüren, hat man sich einmal an der Baustelle des Berliner Schlosses vorbei gekämpft und die Luxuswohnungen im neoklassizistischen Stil ignoriert, die neuerdings das kleine Ausstellungshaus bedrängen.

Brüste, Drüsen, Hautfalten

Die Kuratorin und Initiatorin des Schinkel Pavillons Nina Pohl hat in enger Zusammenarbeit mit Bourgeois’ langjährigem Assistenten und Nachlassverwalter Jerry Gorovoy eine feinsinnig komponierte Auswahl an Werken aus den letzten Jahren der Künstlerin zusammengetragen. Im Fokus stehen die sogenannten sack forms, tropfenförmige Stoffbehälter, die schlaff herunterhängen oder prall gefüllt sind. Die abstrakten Skulpturen wecken Assoziationen an Brüste, Organe, Drüsen, Zellansammlungen oder Hautfalten und scheinen so der Sphäre des Lebendigen zu entstammen. Konserviert in gläsernen Schaukästen werden sie aber zugleich Vanitassymbole, die an die Vergänglichkeit erinnern.

An ähnlichen organischen Objekten hat Louise Bourgeois bereits seit den 1960ern gearbeitet. Die Skulptur Trani Episode, zwei aus Bronze gegossene übereinander gelegte Wulste, war 1966 in der skandalträchtigen Ausstellung Eccentric Abstractions zu sehen, die die Feministin Lucy Lippard kuratiert hatte. Eine Oberflächenästhetik aufzubrechen, die bisher den Blick auf den Körper in der Kunst bestimmt hatte, stand bei der Show im Zentrum. Neue sinnliche Qualitäten, die nicht zuletzt Scham und Ekel provozieren sollten, wurden den Skulpturen der vorwiegend männlichen Minimalkünstler entgegengestellt.

Bourgeois scheute auch in den folgenden Jahrzehnten die indiskrete Zurschaustellung von Eingeweiden nicht. 1974 baute sie für The Destruction of the Father eine überdimensionierte Bauchhöhle nach, mit der sie sich erhoffte, endlich ihren Vater verdauen zu können.

Seit Mitte der 1980er Jahre wurden Bourgeois’ Skulpturen formal immer aufwendiger, größer und multiperspektivischer, was nicht zuletzt mit der längst überfälligen internationalen Anerkennung und dem damit verbunden kommerziellen Erfolg zusammenhängen dürfte. Die Werkgruppe der Zellen, großformatige Raumgebilde aus Käfigen, Wassertanks, Paravans, alten Türen und Fenstern, bildeten schließlich einen Höhepunkt dieser Entwicklung. In den Zellen vereinte und erweiterte Louise Bourgeois ihr bildhauerisches Repertoire der vergangenen 60 Jahre. Spinnen, organische Partialobjekte, Objets trouvés, Marmorobjekte und Glasgefäße, an denen sie zeichnerisch und skulptural immer gearbeitet hatte, fanden endlich ihr zu Hause.

Im gläsernen Oktogon des Schinkel Pavillon doppelt die Zelle Peaux de lapins, chiffons ferrailles à vendre von 2006 quasi den Galerieraum, so perfekt passt die Installation hier hinein. In dem ovalen Käfig aus Eisengittern hängen haut- und rosafarbene Säcke aus leichtem Chiffonstoff. Diese schlaffen sack forms wirken im Kontrast zu den vergitterten Metallwänden zarter und geisterhafter als in den vier Glasvitrinen, die im Erdgeschoss des Pavillons zu sehen sind. Eben noch an den Verfall des menschlichen Köpers erinnernd, sind die sack forms nun eher Stellvertreter für das Immaterielle. Das ist typisch für Bourgeois, die im Spiel mit Materialien scheinbar feststehende Kategorien wie Körper und Geist oder Innen und Außen aufzulösen vermag. Die sack forms können gleichermaßen äußere Hülle, inneres Gewebe und Gespenster der Vergangenheit sein. Auch die Zelle selbst ist ein ambivalenter Raum. Sie ist sowohl in sich abgeschlossen und doch so durchlässig, dass sich die Betrachterin von ihrer Raumqualität umgeben fühlt.

Schließlich zeigt der Schinkel Pavillon noch, wie Bourgeois in ihren letzten Lebensjahren den Mutterleib als Ort der Näherfahrung thematisierte. Aquarelle und mininaturhafte Stoffskulpturen, die das bezeugen, sind in den normalerweise unzugänglichen Kellerräumen des Gebäudes inszeniert und nicht ohne Gänsehaut wird man mit der Vorstellung zurückgelassen, dass das Labyrinth der intimen Räume, das wir im Laufe unseres Lebens durchwandern, für Louise Bourgeois dort endet, wo es begonnen hat.

Info

The Empty House Louise Bourgeois Schinkel Pavillon, Berlin, bis 29. Juli

06:00 24.06.2018

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