Bertolt Brecht sah sich genötigt, vor dieser Figur zu warnen. Nach der Uraufführung von Herr Puntila und sein Knecht Matti am Zürcher Schauspielhaus im Juni 1948 erfreute sich ausgerechnet der Gutsbesitzer Puntila großer Beliebtheit beim Publikum. Man müsse also darauf achten, dass „der Darsteller des Puntila das Publikum nicht durch Vitalität oder Charme so mitreißt, daß ihm nicht mehr die Freiheit bleibt, ihn zu kritisieren.“

Denn Puntila ist nicht irgendein Gutsbesitzer, nein, er ist einer, der manchmal zum Menschen wird – und zwar, wenn er säuft. Dann gibt er sich großzügig gegenüber dem Gesinde, will mit allen befreundet sein, verlobt sich mit einfachen Frauen und seine Tochter mit seinem Chauffeur, dem Knech

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Ein Mann versucht, sich umzubringen, und weil es misslingt, schreibt er ein Buch. So lässt sich der Beginn der Inszenierung Frank Castorfs von Hans Falladas Kleiner Mann – was nun? am Berliner Ensemble interpretieren. Doch das ist nur der Ausgangspunkt für ein ambitioniertes Projekt. Schon in dem Roman von 1932, der erst seit 2016 in der Urfassung vorliegt, diente die Geschichte des Kleinbürgers Pinneberg, der eine Stelle nach der anderen verliert und am Ende mit seiner jungen Frau, „Lämmchen“ genannt, und dem gemeinsamen Kind den Rückzug ins Private antritt, als Anlass, über jene Zeit der Weimarer Republik zu schreiben, die sich im Nachhinein als ihre letzte erwies: Krise und Verfall, Exzess und Rausch treten in Kontrast zum privaten Glü

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Gut, dass gewarnt wird. Achtung, heißt es, während das Saallicht gedimmt wird, stroboskopische Effekte! Und so beginnt die zweistündige Performance mit einpeitschender Technomusik, heftigen Lichteffekten und schnellen Bildern von elend aussehenden Geflüchteten an den europäischen Grenzen. Zeitgleich wachsen an den Bühnenecken zwei überdimensionale Frontexpolizisten als aufblasbare Winkemänner empor. Cem Kayas Reihe Deutschstunde mit dem Untertitel Pop, Pein und Paragraphen eröffnet die Saison im Berliner Maxim Gorki Theater.

Der preisgekrönte Filmemacher, der mit dem Dokumentarfilm Aşk, Mark ve Ölüm über die Musikkultur der türkeistämmigen Migrant*innen zuletzt den Grimme-Preis in diesem Jahr erhielt, erzäh

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Was wir in Deutschland mit der AfD bei zwei Landtagswahlen erlebt haben, steht Österreich bei seiner Nationalratswahl am 29. September in ganz anderer Dimension bevor: ein Sieg der rechtsextremen FPÖ. Laut Wahlprogramm der FPÖ soll nur noch Kultur gefördert werden, die einem national-konservativen Österreich ohne Flüchtlinge dient. In einem Land, das seit Jahrhunderten aus der Kultur einen großen Teil seiner Identität bezieht, braucht die Kultur Schutz. Das Produktionsteam der für Mai nächsten Jahres am Burgtheater angekündigten Inszenierung von Elfriede Jelineks Theaterstück Burgtheater rief gerade in einem vom Freitag online veröffentlichten Beitrag zum Widerstand gegen die Gleichgültigkeit auf.

Schon der ausgeschiedene

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Für Anhänger der Neuen Rechten wäre das Programm des internationalen Festivals Tanz im August, das in Berlin soeben seine 36. Ausgabe vorgestellt hat, ziemlich sicher ein rotes Tuch. Gastspiele aus aller Welt, queere und transgender Performer*innen, viel Sprache, trotz Tanz, – und nichts davon auf Deutsch. Aber Moment Mal: Ein Festival, das die längste Zeit einfach ein hochkarätiges Kunst-Event gewesen ist, so anzumoderieren – rotes Tuch, Neue Rechte –, zeigt, wie sehr das Framing demokratiefeindlicher Gruppen auch schon bei der Autorin verfangen hat.

Wieso kalkuliert man plötzlich mit der Ablehnung durch eine Partei und ihr nahe Organisationen, statt sich zu fragen, für wen das Programm dieses wichtigen europäischen Festivals gedach

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Bonjour, diese Kolumnenausgabe erreicht Sie als Urlaubsvariante direkt aus dem schönen Südfrankreich, neuerdings auch Heat Dome genannt. Es ist wirklich unfassbar heiß. Schon frühmorgens wankt man bei über 30 Grad benommen durch die Gassen und hofft, dass der Tag bald vorübergehen möge. Mein erstes Urlaubsziel war Avignon. Endlich wollte ich über das berühmte Theaterfestival berichten, das die Stadt im Sommer zum Pilgerort für Theaterbegeisterte macht, doch wegen etlicher Reisepannen kam ich erst an, als das Festival schon vorüber war.

So blieb mir nichts anderes übrig, als vor den unzähligen kleinen und größeren Theatern vorbeizulaufen und unglücklich auf die verrammelten Türen zu starren. Avignon ist offe

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Ausgerechnet zu Fronleichnam, dem Fest des Leibes und Blutes Christi, fand am Mecklenburgischen Staatstheater in Schwerin die Premiere von Florentina Holzingers erster Musiktheaterproduktion statt: Ausgehend von Paul Hindemiths einaktiger Oper Sancta Susanna arbeitet sich Holzinger in Sancta spektakulär am katholischen Glauben ab.

Hindemiths nur 25 Minuten kurze Oper mit dem Text Ein Gesang der Mainacht von August Stramm geriet bei ihrer Uraufführung vor rund 100 Jahren zum Skandal. Die Nonne Susanna (bei Holzinger die Sopranistin Cornelia Zink) entdeckt im Gebet ihren Körper und ihr Begehren und soll dafür sanktioniert werden. Ihr droht es zu ergehen wie Jahre zuvor auch Schwester Beata, wie sie von Ordensschwester Klementia (Andrea Baker) erfährt. Als die „i

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Es kommt vor, dass im Theater politische Reden geschwungen werden. Für gewöhnlich rennen die Redenden dabei die offenen Türen ihres linksliberalen Publikums ein. Nicht so am vergangenen Wochenende in der Schaubühne am Lehniner Platz in Berlin. Da stand ein adrett gekleideter Herr mit Schnurrbart am Bühnenrand – und hetzte. Gegen Roma, gegen den Feminismus, gegen Minderheiten allgemein. Und beschwor stattdessen die wahre Nation, ein Land der Kultur und Tradition, das zu retten er sich vorgenommen habe.

Und dann geschah etwas Außerordentliches. Teile des Publikums schienen zu vergessen, wo sie waren: im Theater; und dass da vorn ein Schauspieler stand, der etwas spielte, und kein wirklicher Politiker der rechtspopulistischen Partei Chega aus Portugal. Einig

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Er wirkt kompromisslos und immer tödlich: der Fluch der Labdakiden, verhängt über Laios und, noch schlimmer, all seine Kinder. Nachdem der Theaterbetrieb Laios jahrhundertelang weitestgehend übersehen hat, sorgten jüngst Roland Schimmelpfennig und Karin Beier mit dem zweiten Teil ihrer Antiken-Serie Anthropolis am Deutschen Schauspielhaus Hamburg für späte Gerechtigkeit. In der altertümlichen Sage noch zum Herrscher über Theben avancierend, fungiert er in der mit sichtlich satirischem Impetus gestalteten Neuadaption lediglich noch als Spitzenkandidat eines SPD-Ortsvereins. Warum ihn und seine Nachkommen Übles erwartet, hängt nicht zuletzt mit einer verbrecherischen Tat (und damit Schuld) zusammen. Der Legende zufolge hat er Chrysippos,

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Als die Bomben das Theater in Mariupol trafen, hörte Vira Lebedynska weder einen Knall noch eine Explosion. Vom Aufnahmestudio im Keller des Theaters aus, in dem sie zusammen mit einigen anderen Theaterangestellten Schutz suchte, fühlte es sich eher wie ein Vakuum an. „Es gab ein Rauschen und das Gefühl, dass die Luft aus dem Raum gesaugt wurde“, erinnert sie sich. Einige Sekunden zuvor hatte sich ihr Kater Gabriel plötzlich angespannt, vielleicht weil er das Geräusch eines Flugzeugs über ihm spürte. Dann brach das Chaos aus: Rufe, Schreie, Panik.

Die 65-jährige Schauspielerin und Gesangslehrerin war eine von etwa 20 Theatermitarbeitern unter den mehr als 1.000 Menschen, die im Theater Zuflucht suchten, als die russische Armee im März

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Während die letzten drei Zuschauer:innen noch ins Neue Haus des Berliner Ensembles kommen, steht Maeve Metelka schon auf der Bühne. Sie schreibt an die graugrüne Wand vor ihr, während minimalistische elektronische Musik mit drei Tönen treibend spielt. Sie schreibt schnell, hektisch, immer wieder muss sie die Hand ausschütteln. Dazu kommt Constanze Becker in einem ähnlichen grün karierten Kostüm, Bluse und Rock, schwarze Strümpfe, schwarze Schuhe, eine schwarz gerahmte Brille. Sie sehen einander kurz an, auch sie beginnt zu schreiben. Als Dritte tritt Josefin Platt auf, das gleiche Kostüm als ein Kleid tragend. Das namenlose weibliche Ich aus Ingeborg Bachmanns Roman Malina von 1971 ist in der Fassung und Inszenierung von Fritzi Wartenb

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Auf den einstigen Staatsratsvorsitzenden der DDR Erich Honecker geht einer der knackigsten Slogans des Sozialismus zurück: Vorwärts immer, rückwärts nimmer! Was dieser vor Fortschrittsoptimismus triefende Ansatz indes vergisst: Fährt man gegen eine Wand (oder halt eine Mauer), muss man bisweilen den Rückwärtsgang einlegen, um überhaupt wieder vorwärtszukommen.

Glücklicherweise sind die Berliner Festspiele keine Gerontokratie, sondern durchaus korrekturfähig. Noch vor anderthalb Jahren schien es, als würde sich das von den Festspielen ausgerichtete Theatertreffen, das wichtigste Festival dieser Art im deutschsprachigen Raum, grundlegend verändern – in den Augen vieler Kritiker: an die Wand fahren. Die Berufung eines vierk

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Im Herrenhaus rumort es. Zwar ist Ibsens Nora (Birte Leest) in Nora oder Wie man das Herrenhaus kompostiert am Staatstheater Hannover ganz zufrieden damit, eine berühmte feministische Heldin in einem oft gespielten Stück zu sein. Sie ist gut im Geschäft. Aber die Nebenfiguren haben Existenzängste: „Ein Paketbote“ (Torben Kessler) ist schon rausgekürzt worden und zu schlechteren Bedingungen wieder eingestellt. Anne-Marie (Irene Kugler), das 73-jährige Kinder„mädchen“, bekommt zwar ein 13. Jahresgehalt, vermisst aber ihre eigenen Kinder. Einzig Kristine (Florence Adjidome), die in der Inszenierung über lange Passagen als eine Art Erzählerin agiert, kann das alles, ohne Mann, Geld, Haus, von außen betrachten. Ibsens Dra

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Grob behauene Steine stapeln sich unter dem Blick des Goethe- und Schiller-Denkmals auf dem Weimarer Theaterplatz. Die von Passant:innen aufgebauten Türme sind eine Geste der Anteil- und der Raumnahme. Günther Ueckers Kunstaktion breitet sich auf dem zentralen Platz vorm Deutschen Nationaltheater aus, lässt die Besucher:innen der Klassikstadt den Schritt verlangsamen und schafft so einen Ort des Gedenkens an die Opfer des Konzentrationslagers Buchenwald. Unterstützt von seinem Sohn verbindet der 93-jährige Maler und Objektkünstler mit einem Stoffstreifen das raue Material und stellt so feste Verknüpfungen zwischen den Einzelteilen seines Mahnmals her. Bereits vor 24 Jahren errichtete er die Skulptur Ein Steinmal für Buchenwald. 1. September 1939 im K

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Neulich wurde ich in einem Kleinstadttheater Zeugin einer Erziehungsmaßnahme. Der Vorfall ereignete sich direkt nach der Pause, also zu einem Zeitpunkt, da das Publikum – belebt von Sekt, Brezeln und Toilettengang – zur Gesprächigkeit neigt. Die zwei Schauspielerinnen in königlichen Rollen hatten bereits die Hände in die Hüften gestemmt, um sich in das eingeübte Wortgefecht zu stürzen, als ein älteres Ehepaar in den vorderen Parkettreihen seinem Gesprächsbedarf leise tuschelnd freien Lauf ließ. „Pschscht! Pschscht!“, fuhren sogleich einige Zuschauer*innen gehorsamst in ihren Sitzen herum: „Pschschschschschscht!“

Das Pärchen lächelte kurz angebunden und vertiefte sich dann wieder ins Gespräch

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Steigende Energiekosten, fehlende Zuschauer, unsichere Planung und absehbare Budget-Kürzungen: Den deutschen Theatern stehen schwere Zeiten bevor. Doch vor einigen Wochen einigten sich Arbeitnehmer und Arbeitgeber auf eine deutliche Erhöhung der Mindestgagen – richtig so, findet Lisa Jopt, Schauspielerin und Präsidentin der Genossenschaft Deutscher Bühnenangehöriger (GDBA). Thorsten Weckherlin, Intendant des Landestheaters Tübingen und Co-Autor eines auf nachtkritik.de veröffentlichten „Brandbriefs Zukunft des Theaters“, befürchtet hingegen Personalabbau und Streichungen von Inszenierungen. Ein Streitgespräch mit zweien, die eigentlich dasselbe wollen: gutes Theater.

der Freitag: Frau Jopt, die Steigerung der Mindestgagen fü

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Es gibt Theaterbilder, die vergisst man sein Leben lang nicht mehr: Fabian Hinrichs auf einem Stuhl, mitten auf der leeren Bühne, erschöpft. Den ersten Teil des Abends, eine Dreiviertelstunde lang, hatte Hinrichs – barfuß und allein, mit nichts als einem beigen Regencape behängt – die Weite der leeren Bühne durchstreift. Hatte in einem von Wahnsinn, Müdigkeit und Ratlosigkeit gezeichneten imaginären Dialog mit einer abwesenden Person versucht, dem Irrsinn unserer Gegenwart Worte abzuringen – bis sich plötzlich unter Donnergetöse eine schrecklich schöne und gleichzeitig furchteinflößende Rakete aus dem Bühnenhimmel herabsenkt. Wie eine göttergesandte Lösung für all die unüberwindbar schein

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Zuschauer eines Krieges zu sein, der sich nicht im eigenen Land abspielt, sei eine ganz heutige, moderne Erfahrung, schreibt die Essayistin Susan Sontag in ihrem jetzt unbedingt wieder zu lesenden Buch Das Leiden anderer betrachten.

Die Flut der Bilder, die uns vom Krieg in der Ukraine erreicht und auf die wir mit Schrecken, Angst, Mitleid, Empörung, aber eben auch mit Sensationslust reagieren, macht uns dabei unweigerlich und „ob wir wollen oder nicht, zu Voyeuren“. So jedenfalls schreibt es Sontag.

Der Krieg in der Ukraine hat auf verstörende Art und Weise die antike Denkmetapher des theatrum mundi – die Welt ist uns zu einer Bühne geworden – wiederbelebt. Wahrnehmungsweisen dieser Art treten uns zum Beispiel in der medialen Heroisierung des ukrainisc

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Was kann die Kultur, kann das Theater angesichts des Krieges ausrichten? Was kann es überhaupt sagen oder tun? Die „Hoffnungen auf die Kraft des Friedens und des Gesprächs“ seien durch Putins Angriff „bitter enttäuscht worden“, schrieb der Hamburger Kultursenator und Präsident des Deutschen Bühnenvereins Carsten Brosda (SPD) in einer Stellungnahme. Der Krieg ziele auch, meint er, „auf die Möglichkeiten für Kunst und Kultur, sich überall auf der Welt frei zu entfalten“. Denn gerade diese seien es, die „über Grenzen hinweg die Grundlage für Frieden und Verständigung schaffen können." Hiermit ruft Brosda das auf, was die Grundlage von unserem Kulturverständnis ist: dass uns die Kunst, da

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Der 23. Februar, der „Tag des Verteidigers des Vaterlandes“ (ehemals der „Tag der Sowjetarmee“), ist ein militärischer Feiertag, der in ganz Russland begangen wird, von den Kindergärten bis zum Staatlichen Kremlpalast. In diesem Jahr wurde am Vortag bekannt gegeben, dass Russland zwei Regionen der Ukraine als seine Gebiete „anerkennt“. Am Tag darauf marschierte die russische Armee in die Ukraine ein. Die Facebook-Kanäle der Kulturszene explodierten.

Die erste Reaktion ist Schock, Schmerz und Scham; viele haben Freunde und Verwandte in der Ukraine. Und es ist völlig klar, dass diese Ereignisse den „zivilen Tod“ in allen Bereichen (Kunst, Bildung, Wirtschaft) für jeden Einzelnen bedeuten, der als „russisch“ g

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Wer bisher an der Hoffnung festhielt, der Welt könnte doch noch die Erlösung durch einen spät erwachten Gott widerfahren, dürfte nach diesem Theaterabend vollends alle Illusionen verlieren. Es gibt in der deutschsprachigen Erstaufführung von Alice Birchs Stück [Blank] nur eine Regentin auf diesem Planeten, nämlich die Gewalt, und sie entwickelt in 100 Szenen ein eiskaltes Stakkato: Ein Mann vergewaltigt ein junges Mädchen. Das junge Mädchen wird schwanger. Die Mutter des jungen Mädchens tötet den Mann. Anderer Fall: Eine Frau trinkt und vernachlässigt ihr Kind. Anderer Fall: Wieder ein junges Mädchen verschwindet. Es wird von einer Psychopathin entführt. Sie selbst verlor ihr Kind. Das junge Mädchen wird sterben. Di

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Ein Buch geht um im Theaterland, das seit einiger Zeit viele massiv in seinen Bann zieht. Begeisterte Kritiken hat das Werk eingeheimst. Ein hingerissener Joachim Meyerhoff, Schauspieler und Bestsellerautor, findet den Roman einfach nur „zum Niederknien“ und schreibt jetzt prompt an einem Drehbuch, mit dem der Stoff bald schon verfilmt werden soll. Von ihm höchstpersönlich. Für die Hauptrolle soll Anthony Hopkins angefragt werden.

Na? Gemeint ist der Theaterroman Sein oder Nichtsein von Klaus Pohl, ein fiktiv ausgeschmückter Probenbericht von Peter Zadeks Hamlet-Inszenierung, in der Angela Winkler (wir befinden uns im Jahr 1999) die Hauptrolle spielte. Ziemlich geniale Idee von Zadek damals, Hamlet mit einer Frau zu besetzen, weshalb das Ding auch umgehend mi

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Geschliffen sauber und minimalistisch chic ist die Bühne, die beiden Greenscreens und Fernsehbildschirme mitsamt Live-Kamera-Sets im grellen Studiolicht erzählen schon zu Beginn: Der technische Reproduktionsapparat ist Hauptdarsteller, und zwar keiner der angenehmen Art. Still und unbeweglich steht sie da, die digitale Ausstattung. Sie ist das erste und wird nach der Vorstellung das letzte bleiben, was das Publikum sieht – ein Touch Horrorästhetik in einer vermeintlich makellosen Welt.

Das Bühnenstück Porno mit Adorno feierte am 20. Januar im Theater am Neumarkt, Zürich Premiere und lässt das Publikum eine komplette Sinnentleerung in der Industrie des Menschseins erfahren. Nachrichten werden nicht nur zur Ware, sondern zum Inbegriff einer Welt der E

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Anders als es die Popularität des Genres Literaturinszenierung an den deutschen Theatern vermuten lässt, birgt das Übersetzen von Prosa ins Theater eine Vielzahl an Fallstricken und oft geht das gar nicht gut. Oft werden die Texte banalisiert, entweiht. Bei alten Texten, die dazu noch Jahrzehnte oder gar Jahrhunderte an Patina angesammelt haben, gestaltet sich die Adaption noch einmal schwieriger. Als Regisseur:in bleiben einem im Prinzip nur zwei Optionen: radikale Treue oder empfindlicher Bruch. Also entweder die Unterordnung des Mediums Theater unter die Autorität des Textes – sprich: Rezitation – oder das Aufbrechen des Texts, Anreicherung durch andere Materialien, wildes Spiel. Durch beide Methoden kann Neues entstehen – muss aber nicht.

Für e

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Kürzlich fachsimpelte ein Bekannter, der Wissenschaftssendungen moderiert und vielleicht ein wenig Ahnung von der Materie hat, mir vor, dass nun mit der neuen Omikron-Variante die Pandemie im Grunde noch mal komplett von vorne losgehe. Ich konnte und wollte ihm nicht glauben. Allerdings hatte ich zu Beginn der Pandemie auch jegliche Zeitungsartikel als „Katastrophenerotik“ abgetan, die damals schon das Heraufdämmern eines pandemischen Zeitalters in Aussicht stellten.

Vor ziemlich genau einem Jahr schrieb ich an dieser Stelle das erste Theatertagebuch, das zwangsläufig vom Kulturlockdown handelte, nur um jetzt festzustellen, dass sich das Thema für die Theater überhaupt nicht geändert hat. Wir bleiben eben Gefangene eines Virus. Mit angehaltenem Atem

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Was wäre das politische Theater unserer Tage ohne den Dauerbrenner der gespaltenen Gesellschaft? Tja, das Aufzeigen verhärteter Fronten stellt ein bewährtes Mittel dar. Dies merkt man auch der Inszenierung Grand Reporterre #4: Deadline an, die gerade Station am Stuttgarter Schauspielhaus machte. Dabei handelt es sich um eine Produktion der grenzüberschreitenden Stuttgarter Performancegruppe Citizen.Kane.Kollektiv sowie des französischen Théâtre du Point du Jour. Auf einem die Bühne teilenden Tuch erscheinen zwei sich abwechselnde Projektionen: Einmal sächselt ein ehemaliger Bergbaukumpel über die aus seiner Sich kriminellen Umweltschützer, einmal erklärt uns eine Klimaexpertin zwischen ihren Zimmerpflanzen die Schädlichkeit f

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Hochverehrtes Lesepublikum! Für diesen Text hatte ich ursprünglich einen Plan: Gleich zwei Mal läuft in Berlin zurzeit der Frankenstein-Stoff auf der Bühne. Im Deutschen Theater spielen drei Schauspieler:innen in wechselnden Rollen Mary Shelleys Roman Frankenstein und in der 3. Etage der Volksbühne ist eine Bearbeitung unter dem Titel I spit on my grave zu sehen. (Außerdem läuft seit Mitte Oktober eine anspruchsvolle Adaption in Hannover: Frankenstein oder eine Frischzellenkur.) Das analysewütige Monster in mir war schmatzend erwacht. Was! Sagt! Uns! Dieser! Text! Heute? Welche Schlüsse über Wissenschaft und Verantwortung, Anderssein in der Welt, radikale Einsamkeit und zurückgewiesene Liebe würde man ziehen können? Einen wun

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Verflucht kalt ist es im Winter in Sankt Petersburg. Vom ersten bis zum letzten Ton rieseln die Flocken. Schneeberge türmen sich vor dem Orchestergraben. An der Newa ziehen Angler Leichenteile aus Löchern im Eis. Was frieren lässt, ist also nicht bloß das Klima. Dagegen hilft der viele Wodka nur bedingt.

Ein Stück wie von Kafka: Polizeimajor Kovaljov wacht auf und vermisst seine Nase. Sie taucht wieder auf, allerdings ist sie da bereits zu einer höhergestellten Persönlichkeit befördert worden und will nicht zurück ins Gesicht des Polizisten, der aus Verzweiflung darüber zum Strick greift. Ein Dämon rettet ihn. Und die Nase wird gefasst, als sie mit gefälschtem Pass das Land verlassen will. Kaum hat der Major sie wieder, ist er wied

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Nun hat auch das Münchner Volkstheater ein neues Haus. Nach dreijähriger Bauphase ist es aus der Stadtmitte etwas weiter südlich in die Isarvorstadt gezogen, auf dem großen Schotterplatz an der Tumblinger Straße 29 steht nun ein hochmoderner Komplex, als habe er immer schon hier gestanden. Auch der Prospekt zum Neubau betont, wie gut der Bau sich „wie selbstverständlich in seine Nachbarschaft“ integriere. Das tut er, und die Premiere von Unser Fleisch, unser Blut tut es auch.

Es ist nicht recht entscheidbar, ob es sich bei diesem Stück von Jessica Glause um eine Auftragsarbeit zur Einweihungsfeier handelt oder ob die Regisseurin mit ihrem Thema zufällig einen Glücksgriff tat. Unser Fleisch, unser Blut handelt vom Fleischkonsum, als Au

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Grime – für Kenner*innen lautmalerisch GRM – ist eine britische Hip-Hop-Variante, die die Schrecken der Zukunft nicht fürchtet, sondern vorwegnimmt. Motto: Wer nicht viel erwartet, wird auch nicht enttäuscht. Wie Hartgummigeschosse knallen die Beats dieser Musik seit Anfang des Millenniums durch vorstädtische Fußgängerzonen, wo sich die jüngste Generation der Aussortierten trifft. Als Rapper*innen dürfen sie sich lauthals beschweren, verbal kraftmeiern, sogar mit der Apokalypse drohen. Schnell, hart und treffsicher. Tiefergelegte Bässe flattern dazu wie ein Elektrizitätswerk kurz vor dem Kollaps. Und ab und zu geschieht auch mal ein Wunder, und einer aus der Szene wird zum Popstar, so wie Stormzy.

Alles ist bedingungslos

Für

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Unterm wallenden orangefarbenen Vorhang, der immer mal wieder in die Form eines Zirkuszeltdachs gezogen wird, soll ein weißes Kaninchen auf den schwarzen Bühnenboden gezaubert werden. Man sieht – der Vorhang ist da einen Tick zu schnell schon wieder oben –, wie ein Bühnenarbeiter das langohrige Tier aus einer Luke hievt. Ein verstolperter Zaubertrick. Gleich zu Beginn erläutert die hinreißende Kathrin Angerer ihrem Gegenüber Martin Wuttke ein Schießkunststück: „Wir sind hier im Zirkus, Sie müssen schon danebenschießen, sonst ist es keine Kunst.“ Volltreffer.

Vor der Volksbühne steht ein echtes Zirkuszelt, das wie fast alles an diesem Eröffnungsabend schwer mit Tradition behängt ist. Denn in einem solche

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Anfang der Nullerjahre war Jan Speckenbach an der Volksbühne beim Entstehen von Frank Castorfs Videotheater dabei. Mit René Pollesch als neuem Intendanten schließt sich für ihn nun ein Kreis: Bei Polleschs Die Gewehre der Frau Kathrin Angerer ist er für die Livekamera verantwortlich. Die Frage: „Video im Theater, was soll das?“ begleitet seine Arbeit von Anfang an.

der Freitag: Herr Speckenbach, Video im Theater, das konnte man nicht studieren, wenn es noch gar nicht richtig erfunden war. Was haben Sie studiert?

Jan Speckenbach: Ich habe in Karlsruhe an der neu gegründeten Hochschule für Gestaltung studiert, im ersten Jahrgang 1992. Sie orientierte sich an der Ulmer Hochschule für Gestaltung, die wiederum auf die Tradition der Bauhaus-Schul

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Zum ersten Mal ganz oben zu stehen, bejubelt von der Kritik, gefragt von den großen Orchestern der Welt – das ist vielleicht der gefährlichste Moment einer Dirigentenkarriere. Bei Joana Mallwitz kam dieser Punkt mitten in der Pandemie. Alle Aufführungen waren abgesagt, einzig die Salzburger Festspiele hatten ein Sicherheitskonzept entwickelt, das den Spielbetrieb zuließ. Auf dem Programm: Mozarts Oper Così fan tutte. Nach den ersten beiden Lockdowns waren die Menschen kulturell ausgehungert, alle Ohren lauschten nach Salzburg. Die Produktion wurde im Fernsehen übertragen. Und war ein riesiger Erfolg (der Freitag 34/2020)! Mallwitz selbst überflog die Kritiken nur. Aber ihr Mann, der Opernsänger Simon Bode, hatte sie sorgfältig studiert und

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Die Aufforderung „Ändert euch!“ schallt den Theatern seit einigen Jahren vehement entgegen. Rassismus, Sexismus, Machtmissbrauch – es ist erschreckend, welche Missstände an einzelnen Häusern öffentlich wurden. Und Theaterdeutschland musste sich an ein neues Selbstbild gewöhnen: Hinter den Fassaden der bildungsbürgerlichen Institution herrscht bisweilen noch der Feudalismus.

Einige der zentralen Fragen in der hitzigen Strukturdebatte lauteten: Ist das Modell des alleinverantwortlichen Intendanten noch zeitgemäß? Erscheint es vertretbar, dass drei Viertel der Stadt- und Staatstheater von Männern geleitet werden? Und wie geht es den Mitarbeiter:innen und Schauspieler:innen, deren „Normalvertrag Bühne“, wie man den

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Unterm wallenden orangefarbenen Vorhang, der mit Seilen aus dem Bühnenhimmel immer mal wieder in die Form eines Zirkuszeltdachs gezogen wird, soll ein weißes Kaninchen auf den schwarzen Bühnenboden gezaubert werden. Man sieht, der Vorhang ist da ein Tick zu schnell schon wieder oben, wie ein Bühnenarbeiter das besonders langohrige Tier aus einer Luke hievt. Ein verstolperter Zaubertrick. Gleich zu Beginn erläutert die hinreißende Kathrin Angerer ihrem Gegenüber Martin Wuttke ein Schießkunststück: „Wir sind hier im Zirkus, Sie müssen schon daneben schießen, sonst ist es keine Kunst.“ Volltreffer.

Vor der Volksbühne steht ein echtes Zirkuszelt, das wie fast alles an diesem Eröffnungsabend schwer mit Tradition beh

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Wenn diese Woche die Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin unter der neuen Leitung von René Pollesch ihre schweren Schwingtüren wieder öffnet, dann ist die Geschichte der beispiellosen Schlacht um das einst prägendste Theater im deutschsprachigen Raum eigentlich erst mal zu Ende.

Das zivilgesellschaftliche widerborstige Aufbäumen, das vor gut sechs Jahren die Ernennung des Museumsmannes Chris Dercon als Nachfolger von Frank Castorf ausgelöst hatte, machte auf einmalige Weise die kulturelle und symbolische Bedeutung von Theater erfahrbar und faszinierte sogar Menschen, die die Debatte ansonsten für völlig plemplem hielten.

Die nächste Erfahrung, die man dann machen konnte, war die der politischen Einsicht, was auch eher selten vorkommt,

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Die Welt ist ein verkommener Ort, schauerlich und gottverloren. Wohin man bei der Ruhrtriennale-Inszenierung von Elfriede Jelineks Bählamms Fest schaut, lauert das Morbide. In der weiträumigen Jahrhunderthalle in Bochum blicken wir auf Niemandsland. Umgeben von mager bepflanzter Erde und Nebel befindet sich ein Holzhaus. Bewohnt wird es von der herrischen Alten Mrs. Carnis (Hilary Summers), ihrem Sohn, Farmer und Trunkenbold Philip (Dietrich Henschel) und dessen junger Frau Theodora (Katrien Baerts). Eigentlich könnte dieses Fleckchen ein Idyll sein, gäbe es nur nicht die ständigen Übergriffe auf letztere durch ihren Mann und all die Lämmer des Hofes, die unter mysteriösen Umständen gerissen werden.

Ob Fantasmagorie oder Wirklichkeit, zumindest i

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Man hatte die Kürzungswellen schon vorhergesehen, nun scheinen sie auch de facto hereinzubrechen. Wie das Aktionsbündnis „Mainzer Theater für alle“ in einer Pressemeldung mitteilt, plant die Kommunalverwaltung Einsparungen beim Staatstheater Mainz. Derzeit verfügt es noch über einen Gesamtetat von rund 26 Millionen Euro, es geht um Kürzungen in Höhe von 300.000 im laufenden und 600.000 Euro im kommenden Jahr. Die Summen aus der Streichung sollen dabei aus eigentlich tariflich verbürgten Lohnerhöhungen für die ungefähr 500 Mitarbeiter*innen generiert werden. Vor zehn Jahren unternahm das örtliche Finanzdezernat schon einmal den Versuch, das – wohlbemerkt! – einzige Staatstheater von Rheinland-Pfalz um drei M

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Träume sind Wunscherfüllungsmaschinen, schreibt Freud, und so ist es ja auch gar nicht weiter verwunderlich, dass ich regelmäßig Theaterträume habe. Oft treffe ich da auf Theaterschaffende und wir führen wunderbar kluge Gespräche. Na ja. Nur neulich hatte ich eine eher grauenvolle nächtliche Begegnung. Ich sollte einen Schauspieler zu den Spielplänen nach der Corona-Pause interviewen (Grübeln sinnlos, Sie kommen nicht drauf, wer es war!) und ob er in ihnen das Konzept des „guten Lebens“ erkennen könne. Nun gab sich der Schauspieler aber recht widerborstig: „Was denken Sie denn darüber?“ oder „Erzählen Sie selbst!“, sodass ich der peinlichen Situation entfloh, indem ich eine U-Bahn bestieg,

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Sie hat es geschafft: Als Kuratorin in einem Kunstmuseum kann Alex sich mit den schönen Dingen des Lebens umgeben. Ein schwarzer Designschreibtisch und Apple-Laptop ergänzen das Angekommensein in der gehobenen Schicht – wenn eben nur nicht vereinzelt ihre Herkunft aus armen Verhältnissen durchschlüge. Da ist die Hand vor dem Mund beim Lachen oder der überhöfliche Hang, sich ausnutzen zu lassen. Doch als unversehens ein neureicher Emporkömmling ihr Chef wird, gerät ihr Glaube an eine Welt, die Leistung mit Aufstieg belohnt, ins Wanken. Sollte das ihr Leben sein? Und welchen Preis hat sie dafür gezahlt?

Differenziert lotet Anna Gschnitzers Stück Einfache Leute die brüchige Oberfläche einer vermeintlich auf Chancengleichheit gr&

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Auf dem zweiten Stock eines schmucken Hauses in der Zürcher Altstadt befindet sich das Theater Neumarkt, das jetzt nur noch Neumarkt heißt. Das Haus hat eine bewegte Geschichte: Als Zunfthaus der Schuhmacher gebaut, wurde es zur Töchterschule, dann in den 1920er Jahren zum Versammlungs- und Diskussionsort der Arbeiterbewegung, bis es 1966 schließlich als zweites Stadttheater eröffnet wurde. Diese Tradition des Aufbruchs verpflichtet – die drei Intendantinnen knüpfen daran an und machen dabei sehr viel richtig.

Unter dem Schlachtruf „Love, Play, Fight!“ und mit dem Bekenntnis zum „Unbedingten Theater“ leiten Hayat Erdoğan, Tine Milz und Julia Reichert das Haus seit zwei Jahren. Alle drei haben lange Erfahrungen mit und in der T

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Hurra, wir spielen wieder! Mit diesem Jubelruf begrüßten die Theater nach sieben langen Monaten ihr Publikum. Was vor Kurzem noch undenkbar schien, wird in rasantem Tempo Wirklichkeit – die Kulturinstitutionen eröffnen. Und dabei überschlagen sich die Ereignisse: Von einer versuchsweisen Öffnung im „Pilotprojekt Testing“, begleitet von strengen Hygienemaßnahmen, bis zum leicht eingeschränkten Spielbetrieb an potenziell allen Theatern vergingen gerade mal zwei Wochen. Ungleichzeitiger geht es kaum. Am 22. Mai startete das Deutsche Theater als erstes Berliner Haus in die Open-Air-Saison mit Tartuffe in der Regie von Jan Bosse, dargeboten auf dem Vorplatz des klassizistischen Gebäudes.

Theater im Freien? Im April erschien das noch wie e

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Endlich wieder Theater. Beinahe wäre es schon einmal so weit gewesen, aber dann wurde Money makes me cry im März kurzfristig abgesagt, das Theaterhaus der Münchner Kammerspiele wieder geschlossen. Jetzt aber doch, jetzt nicht nur vielleicht, wenn-es-die-Maßnahmen-erlauben. Gelingt es, nach Monaten der Abstinenz einen gewöhnlichen Theaterabend zu verbringen? Wie ging das noch mal, sind die Kunstreflexe noch geübt? Ist das Telefon off, nachdem es auf dem Parcours der digitalen Test- und Buchungsstrecken vom Innenstadtviertel bis zur Garderobe unverzichtbar war? Lacht man hoffentlich nicht an der falschen Stelle laut, klatscht hoffentlich an der richtigen? Nicht nur die Lücke einer präsenten Live-Kultur, die in der Pandemie aufgerissen wurde, auch Money

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Das 58. Berliner Theatertreffen ist also eröffnet. Alles online, anstrengend, aber trotzdem nicht uninteressant. Der Jahrgang wird in Erinnerung bleiben als der Moment, in dem die Theater technisch hochgerüstet live ohne Publikum spielen, das natürlich trotzdem in der Ferne angesprochen werden muss. Auch hybrides Theater basiert auf wechselseitiger Liebe. Letztes Jahr – sechs Wochen Lockdown hatten das Theatergeschehen zum völligen Stillstand gebracht – zeigte das Theatertreffen vor allem ins Netz gestellte Aufzeichnungen als Notbehelf.

Mit dem Stück Einfach das Ende der Welt von Jean-Luc Lagarce (Schauspielhaus Zürich) wurden nun die Top Ten gestartet und Regisseur Christopher Rüping begrüßte die Zuschauer im leeren Theater, das hei&

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Statt Stücken schauen wir uns seit einiger Zeit „Stückentwicklungen“ an. Alles ist irgendwie noch im Flow und das Ende der Aufführung offen. Denn die relative Konstante stellen wir dar, die einzubindenden ZuschauerInnen. Die klassische Show „Bühne dort – Publikum hier“ mutet für viele TheatermacherInnen nicht mehr zeitgemäß an. Reizvoller erscheint ihnen eher das Event zum Mitmachen. Also Zelda und World of Warcraft zum Anfassen? So ähnlich. Was zählt, ist die Aktivität, in die es uns zu versetzen gilt. Anfassen gehört in Zeiten der Pandemie nicht dazu, aber Interaktion geht auch auf Distanz. Angesichts geschlossener Bühnen verstärkt sich der Trend.

Großer Beliebtheit erfreut sich der Parcour

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Auf der Bühne wird das Unsagbare sagbar. Tabus fallen, nicht als Selbstzweck, sondern im besten Fall zur Erweiterung unserer Sichtweisen. Vielleicht lässt sich die Entgrenzung als ein Leitmotiv des Heidelberger Stückemarkts benennen, der nach einer Zwangspause im vorigen Jahr nun zumindest digital stattfinden konnte.

Regelrecht krachen lässt es das Gewinnerstück des AutorInnenwettbewerbs, Maria Magda von Svenja Viola Bungarten. Was sich dieses radikal-mutige Drama über das Leben junger ProtagonistInnen in einem Klosterinternat auf die Fahne schreibt, ist eine Kampfansage an katholischen Chauvinismus. Gerade die männliche Dominanz in christlichen Urmythen wird schonungslos zerlegt. Mithin erscheint der sich zu Wort meldende Vater im Himmel als übelster

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Beim Weltwirtschaftsforum in Davos sagte Greta Thunberg 2019: „Our house is on fire“ und „I want you to panic“. Ein paar Monate später schleuderte sie den Mächtigen der Welt auf dem UN-Klimagipfel „How dare you!“ entgegen – „Wie könnt ihr es wagen!“. In der Welt des Theaters würde man wohl sagen, dass die Klimaaktivistin damit einen klassischen Kassandra-Auftritt hingelegt hat.

Nun fragt Frank-M. Raddatz in seinem Buch Das Drama des Anthropozäns, wo angesichts der Klimakrise eigentlich eine entsprechende Kassandra auf den Theaterbühnen bleibt. Der Begriff Anthropozän, Zeitalter des Menschen, wurde vom kürzlich verstorbenen Nobelpreisträger und Entdecker des Ozonlochs, Paul J. Crutzen, gepr

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Ständig schwappen neue Skandale über den Rand des Theaterbetriebs, scheint’s. Allein in Berlin gibt es in diesem Jahr drei prominente Beispiele: Im Februar tritt Klaus Dörr als Intendant der Volksbühne zurück, drei Tage, nachdem ihm in einem Zeitungsartikel „sexualisierte Grenzüberschreitungen“ vorgeworfen wurden. Die dort formulierten Vorwürfe bestreitet er. Mit Rassismus und Diskriminierung am Arbeitsplatz hat das Staatsballett Berlin zu kämpfen. Nachdem die Tänzerin Chloé Lopes Gomes mehrfach rassistisch angegangen worden ist, wendet sie sich Ende 2020 an die internationale Presse und erreicht im April vor dem Bühnenschiedsgericht, dass die Nichtverlängerung ihres Vertrages um ein Jahr ausgesetzt und ihr eine

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Nach Machtmissbrauch, Sexismus, Mobbing nun also Rassismus. Der Düsseldorfer Skandal ist ein Aufprall mit Ansage. 2018 wähnte sich der Deutsche Bühnenverein auf der Höhe der Zeit und beschloss einen „wertebasierten Verhaltenskodex zur Prävention von sexuellen Übergriffen und Machtmissbrauch“. Zwar purzelten ein paar Intendanten und Regisseure wegen „toxischer Männlichkeit“ die Karriereleiter runter, doch an Rassismus dachten damals offenbar die wenigsten. So basisnah, sprich alltäglich wollte man sich die ästhetische Reflexionsmaschinerie Theater, die sich seit Jahrhunderten als Moralapostel für alle „Erniedrigten und Beleidigten“ aufspielt, dann doch nicht vorstellen. Das Düsseldorfer Schauspielhaus

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In den Theatern wird gearbeitet, auch in Zeiten des Lockdowns. Proben, Bühnenbild, Musik und Video, ganze Produktionen werden häufig nach Plan bis zur Premierenreife gebracht – und dann mit der Generalprobe auf Eis gelegt. Im Zuschauerraum sitzen ein paar Mitarbeiter des Hauses zusammen mit der Leitung und spielen Publikum. Mit Kichern, Lachen und Applaus am Ende. Dann wird alles auf einen späteren Termin vertagt, der natürlich auch schon in die komplizierten Spielplankalender eingepasst ist. Vielleicht im nächsten Monat, falls nicht, noch später. Oder auf Vorrat für die nächste Spielzeit. Das interne Kürzel GP für die Generalprobe lässt sich sinnigerweise auch für eine Geisterpremiere verwenden, die in vielen Theatern so st

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