Als Irene Demas und ihr Mann Tony in den 1970er Jahren in der Küche ihres kleinen Restaurants in Ontario standen, da lernten sie schnell den Tauschwert ihrer Mahlzeiten bei den örtlichen Bäckern, Handwerkern und Kunsthandwerkern zu schätzen. „Damals unterstützte jeder jeden“, erinnert sich Irene, die seinerzeit eine umtriebige Köchin in ihren 20ern war. Im Tausch gegen täglich frische Blumen brachte das Paar beispielsweise Suppe und ein Sandwich zum Blumenladen nebenan.

Und mit einem englischen Maler, der einen sehr berechenbaren Gaumen hatte, schloss das Paar einen Deal ab: Sie bekamen von ihm und seinen Freund:innen eine Auswahl an Gemälden im Tausch gegen gegrillte Käsesandwiches.

Der Zufall wollte es, dass dieses Arrangement ihnen

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Fast 20 Jahren ist es jetzt her, da reiste ich 5.000 Meilen weit, um eine Cousine meines Vaters zu treffen, die seit 70 Jahren von unserer Familie entfremdet war. Damals war Leonora Carrington – obwohl sie in ihrer Wahlheimat Mexiko gefeiert wurde – in ihrem Heimatland Großbritannien kaum bekannt. Sie war von der Kunstwelt im Allgemeinen ebenso vernachlässigt worden wie von ihrem Land und unserer Familie.

Zwei Jahrzehnte später sieht die Geschichte ganz anders aus. Im April vergangenen Jahres wurde eines ihrer Gemälde – Les Distractions de Dagobert (1945) – beim Auktionshaus Sotheby’s in New York für 28,5 Millionen Dollar verkauft. Es ist das teuerste Kunstwerk einer britischen Künstlerin, das je verkauft wurde. In den vergangenen

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Jasleen Kaurs roter Ford Escort hat ein riesiges weißes Häkeldeckchen auf dem Dach, aus seiner Anlage dröhnen Fetzen von Pop, Hip-Hop und Qawwali-Gebetsliedern. Er provoziert Gelächter und ist gleichzeitig so etwas wie das Totem-Bild der diesjährigen Turner-Preis-Schau in der Tate Britain, die voller kultureller Kollisionen und Registerwechsel steckt.

In Delaine Le Bas’ labyrinthischer Installation regnet es Tinte. Sie mündet in Herzen und Schädel und Gesichter sowie eine Menagerie aus Hasenmenschen, Baummenschen und Korallen. Blutrote Fußabdrücke ziehen sich über den Boden der Tate. Nackte Beine tanzen Cancan, in transparenten Baumwollzelten zeichnen sich bedrohliche Figuren ab. Das Werk der Romni durchziehen mythologische und magisch

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Liebe Freunde,

ich komme aus Mitteleuropa zu Ihnen, genauer: aus Wien, der Hauptstadt Österreichs. Wien ist die fünftgrößte und am schnellsten wachsende Stadt der EU, und zwar wegen der Einwanderung aus Osteuropa: aus Ex-Jugoslawien, aus Ungarn, aus der Ukraine. Die Demographen schätzen, dass Wien nächstes Jahr Paris an Zahl der Einwohner:innen überholen wird. Bratislava, die Hauptstadt der Slowakei, liegt eine Autostunde entfernt, und Budapest, die Hauptstadt Ungarns – das Reich Orbans – etwas mehr als zwei Stunden. Es sind zwei der EU-Staaten, die bereits in die Hände von rechtsradikalen Regierungen gefallen sind, vielleicht haben Sie davon gehört.

Vor drei Tagen hatte ich eine Debatte hier in der Nähe, in Amsterdam, gemeinsam m

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Wie sehr kann man da sein, wenn man nicht da ist? Und muss man mit Kunst in einem Raum sein, um ihre Themen zu verstehen? Die diesjährige Berlin Art Week musste ich mir aus verschiedenen Gründen kuratieren lassen. Von unzähligen bekannten und unbekannten Social-Media-Accounts. Und da sehe ich Menschen in sehr ausgewählten Kleidern, ich sehe Fleisch in den sogenannten Promi-Restaurants, ich sehe Discokugeln im Garten, ich sehe die bewegten und bunten Visuals an den Wänden des Studio 1111, das gleich mehrfach als Kunst-Partylocation diente. Ich sehe Preisträgerinnen, ich sehe natürlich ständig Klaus Biesenbach. Ich sehe Proteste gegen den CDU-Kultursenator Joe Chialo, die er nur verunsichert belächeln kann. Ich sehe Menschen in Mad-Max-Kostüm

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Die Kamera folgt dem Mann durch einen schmalen, dunklen Gang. Unterlegt von sphärischen Klängen sieht man Schultern, Nacken, Hinterkopf, hört die Schritte, das Atmen. Als würde man einen Boxer in den Ring begleiten, betritt er die Bühne: „Guten Abend, meine Damen und Herren. Ich bin David Brooks. Die Geschichte, die Sie gleich sehen werden, ist wahr und basiert auf meinen eigenen Erfahrungen als drogensüchtiger, psychotischer Teenager-Mörder in den frühen siebziger Jahren.“ Was folgt, ist eine Stunde Gewaltexzess, so intensiv, vulgär und abstoßend, dass es schwerfällt, bis zum Ende durchzuhalten.

Mord, Leichenschändung, Missbrauch, höchste Formen sexueller, physischer und psychischer Gewalt bestimmen die Handlung,

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Rirkrit Tiravanija ist vielleicht eines der interessantesten und sympathischsten Phänomene des an interessanten Phänomenen durchaus nicht armen Kunstbetriebs. Tiravanija wurde 1961 in Buenos Aires geboren, wuchs in Thailand auf und machte dann eine internationale Künstlerkarriere, die ihn früh auch nach Berlin führte, wo bis heute sein Archiv beheimatet ist. Hier, im Gropius Bau unter der neuen Direktorin Jenny Schlenzka, die die Ausstellung gemeinsam mit Yasmil Raymond und Christopher Wierling kuratiert hat, findet jetzt seine erste große Retrospektive statt, die über 80 Werke aus seiner seit mehr als 40 Jahren andauernden Karriere umfasst.

Das klingt ehrwürdig und geradezu hochtrabend, obwohl die Arbeit von Tiravanija eigentlich genau das Gegenteil

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Eine der Legenden über den römischen Baby-Kaiser Marcus Aurelius Antonius, auch bekannt als Elagabal, geht so: Einmal füllte er die abnehmbare Zwischendecke seines Festsaals mit so vielen Veilchen und anderen Blumen, die er dann auf die Gäste seines Banketts niederregnen ließ, dass einige von ihnen, unter der opulenten Blütenlast begraben, ihr Leben aushauchten, weil sie an ihr erstickten.

Der „gekrönte Anarchist“, wie der französische Autor und Schauspieler Antonin Artaud den römischen Kaiser in seiner gleichnamigen Biografie von 1933 nennt, war berüchtigt für Orgien und Exzess. Mit nur 14 Jahren ergriff er die Macht, nur vier Jahre später wurde er ermordet. Er galt als brutal, feige, despotisch, sexuell unersättl

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Monstera, Pilea, Philodendron und wie sie alle heißen – Pflanzen sind für viele Menschen unverzichtbarer Teil der Wohnungseinrichtung. Über was man dabei aber selten nachdenkt: Zimmerpflanzen sind tief in die Kolonialgeschichte und deshalb auch in die Zerstörung von Lebensräumen verstrickt. In der neuen Gesellschaft für bildende Kunst (nGbK) widmet sich nun die Gruppenausstellung Orangerie der Fürsorge der Topfpflanze. Dabei geht es um die Beziehungen zwischen Mensch und Pflanze mit Bezug auf ökologische, feministische und postkoloniale Fragen. Ausgehend von einer ortsspezifischen Installation zur Pflege und Vermehrung ausrangierter Topfpflanzen zeigt das Kollektiv PARA, das die Ausstellung kuratiert hat, Video- und Rauminstallationen, Skulptur

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In Mariechen Danz’ Atelier steht die Luft. Die Künstlerin trägt ein mit einer Stecknadel improvisiertes, erdfarbenes Kleid und offene Plateauschuhe. Trotz der Hitze bewegt sie sich schnell. Anderthalb Stunden hat Danz Zeit. Dann holt sie ihren zweijährigen Sohn ab. Im Eingang ihres geräumigen Studios in Berlin-Wedding steht ein Regal, dessen Inhalt durch einen Vorhang verdeckt ist. Danz öffnet ihn schwungvoll. Zum Vorschein kommt eine Sammlung transparenter Abgüsse: Organe aus Kunstharz. Nieren, Lungen und Herzen. „Den musste ich abändern, weil neue wissenschaftliche Erkenntnisse rausgekommen sind“, sagt Danz und zeigt auf einen Darm.

Und schon ist man mittendrin im Danz’schen Kosmos. Die deutsch-irische Künstlerin, 1980 in Dub

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Die Bilder von Sarah Ancelle Schönfeld sprechen eigentlich für sich. Trotzdem könnte man stundenlang über sie reden. Da ist eines mit rubinrotem Hintergrund, in dessen Mitte ein organisch anmutendes, bläuliches Farbfeld verläuft. Es erinnert an eine im Eis eingeschlossene Luftblase, unzählige kleine Kristalle glaubt das Auge hier zu erkennen. Ein anderes lässt an die Mikroskopie eines Einzellers denken. Feine Härchen umranden seinen Körper, blassrosa auf fliederfarbenem Hintergrund, im Inneren ein Spiel von zackigen Mustern und elektrisierenden Farben, das beinahe kosmisch anmutet.

So abstrakt die Bilder aussehen, so konkret sind ihre Co-Autoren: Oxytocin, Cytotec, Misoprostol, Ulipristal, Östrogen, Testosteron, hCG, Ganirelix, Muttermi

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Eschede in Niedersachsen, am 15. Juni 2024: Die „Jungen Nationalisten“ feiern mit Fackeln und gemeinsam mit ihren Kindern ein nationalsozialistisches „Blut und Boden“-Ritual: die germanische Sonnenwende. Bilder davon, aufgenommen vom Medienkollektiv recherche-nord, zirkulieren durch die Medien.

Für die 1980 geborene und in Berlin lebende Künstlerin Emma Adler ist der Anblick maskierter Neonazis in blütenweißen Hemden nichts Neues. Seit Jahren recherchiert sie für ihre raumgreifenden Installationen zu neurechten Ästhetiken, Mythen und Propagandabildern „im postfaktischen Zeitalter zwischen Pandemie und Populismus“, wie sie sagt.

Um solche Propagandabilder dreht sich auch ihre Ausstellung STRG-Z in der Berliner Galerie Anton Jan

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Ein Amphitheater in der Halle am Berghain. In der Mitte steht ein Gaming-Sofa mit einer Art Lenkrad und einem Tablet, ein runder Screen davor, dessen Licht die Halle erleuchtet. Wir spielen ein Computerspiel, sollen mit Charakteren in Kommunikation treten, was bedeutet, dass sie uns etwas erzählen. Wir lauschen ihren Gesprächen und Gedanken in den letzten Momenten ihres Lebens, heißt es im Begleittext zum ersten Teil der Ausstellung The Soul Station. Zum Beispiel sprechen die Figuren in diesem Spiel über ihren Wunsch, einen anderen Körper zu bekommen. Wir steuern durch Räume, deren Wände Botschaften haben. Das Ganze spielt in einer Parallelgesellschaft, in der nach einer Revolution gegen die globale Sklaverei die Herren gestürzt wurden (warum die Cha

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Die ostdeutsche Herkunft der Wende-Millennials, die ihre früheste Kindheit noch in den letzten Jahren der DDR erlebt haben oder unmittelbar nach dem Mauerfall, lässt sich als Phantomschmerz beschreiben. So heißt es treffend in der Ankündigung für die Anthologie Ostflimmern – Wir Wende-Millennials, die gerade erschienen ist.

Warum sich die eigene ostdeutsche Sozialisation wie abgestorbene Gliedmaßen anfühlt, eingegipst in die Popkultur der 1990er, treibt diese Generation, der auch ich angehöre, bereits seit einiger Zeit um. Literarisch zeigt sich das etwa in dem Roman Die Möglichkeit von Glück von Anne Rabe. Gemeinsam mit der dritten Generation Ost, zu der bereits die Jahrgänge ab 1975 gehören, ringen die 30- bis Mitte 40-J

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Zwischen unzähligen Make-up-Tutorials, Tanz-Choreografien und Leuten, die verschiedenste Gegenstände aufschneiden, um nachzusehen, ob es sich dabei nicht eigentlich um Kuchen handelt, hat sich ein Video-Genre auf Social Media als unerwarteter Hit erwiesen: Thema ist der Alltag auf Baustellen.

Auf Instagram zum Beispiel sind zwei holländische Maurer unterwegs, die an ihren Helmen Kameras und an ihren Werkzeugen Mikrofone befestigt haben und so den begeisterten Zuschauer*innen die befriedigenden Mörtelspuren und Kellenschläge des Maurerhandwerks nahebringen. Dann ist da der kanadische Schwermaschinenführer, der seinen Bagger mit der Präzision eines Skalpell schwingenden Chirurgen führt und seine Follower*innen mit immer ausgefeilteren Tricks beeindruckt

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A

wie Agurkaj

Jan Wagner, einer der größten Virtuosen, was die Poetisierung des Alltäglichen, die Neugeburt von Dingen, Wesen, Phänomenen betrifft, bedichtet fast alles, was ihm vor die Feder läuft. Dass auch die Gurke dabei ist, verwundert nicht. In seinem Gedicht agurkaj schildert er einen Ausflug von zwei Freunden. Sie fahren aus einer osteuropäischen Stadt aufs Dorf, das weitab und verlassen liegt, in einer „schiwagolandschaft mit ihren füchsen und fichten“. Sie steigen dort in einem Familienhaus durch eine Luke im Küchenboden hinab in ein Kellerloch voller Einmachgläser mit Heringen, Kürbissen, Kartoffeln und – Gurken. Ein Glas davon nehmen sie im Auto mit, als sie wieder nach Hause fahren: „vom rücksitz das

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Neulich gab es am Theater Dortmund das Rheingold von Richard Wagner. Das eigentliche Spektakel aber war der Weg vom Hauptbahnhof zur Oper. Ein guter Kilometer durch das diverse und multikulturelle Deutschland: Döner-Läden, 1-Euro-Shops, Currywurst-Buden und sehr viele Menschen in Armut, die in der Fußgängerzone ums Überleben bettelten. Eine deutsche Wirklichkeit, die nur schwer mit Peter Konwitschnys lustiger Regie in Einklang zu bringen war, der Wagners Götter als Steinzeitmenschen im Es-Dur-Anfang auf die Bühne kriechen ließ und am Ende den Regenbogen für die Götter in einem Altersheim aufspannte.

Die wachsende Kluft zwischen Hochkultur und sozialer Realität scheint nicht nur das Publikum, sondern auch einen Teil der deutschen Kulturp

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Tätowierungen sind natürlich schrecklich, immer ein Fehler und in jedem Fall zu vermeiden – so beurteilt man diese Kulturtechnik zumindest, wenn man sich gerade in der sehr teuren und schmerzhaften Prozedur befindet, die Jugendsünde per Laser aus der Haut schießen zu lassen. Die Kunstaktion, um die es hier geht, ist eher eine Schnapsidee, also eine dieser spontanen, in erheiterten Runden in den Raum geworfenen Ideen, vor deren Umsetzung am Ende oft missmutige Kritiker stehen; eine Idee also, der man ihre bloße Umsetzung schon hoch anrechnen sollte.

Daher kann man diese neue Unternehmung mit Kunstbezug tatsächlich nur begeistert besprechen. Works on Skin heißt sie, und es geht dabei um den Verkauf limitierter Kunsteditionen, die auch als Tattoos gesto

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Kein Ort der Welt dürfte sich besser dafür eignen, über die Strahlkraft der Demokratie zu sprechen, als die Stadt, in der sie erfunden wurde. Eine neue Ausstellung in der Nationalgalerie in Athen scheint aber zunächst zögerlich. Man muss bis ans Ende der Ausstellung gelangen, vorbei an 137 Werken von 54 Künstlerinnen und Künstlern, bevor man so etwas wie einen Anspruch auf Deutungshoheit findet – und selbst dann ist sie alles andere als triumphal.

Rika Panas Gemälde des Parthenon vor melancholisch blauen und trüb grünen Hintergründen betont gerade nicht die Unerschütterlichkeit des ultimativen Symbols der athenischen Demokratie, sondern seinen Untergang. Auf drei Gemälden aus der Serie The Erosion of Civilisation sehen d

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Es war die in Beton gegossene Utopie einer solidarischen Gesellschaft: das Collini-Center in Mannheim. 1975 fertiggestellt, beinhaltete der dreistufige, turmartige Bau am Neckar neben seinen rund 500 Wohneinheiten die Infrastruktur einer Kleinstadt, mit Geschäften, einer Mensa und Schwimmbad. Alles sollte – kaum 30 Jahre nach dem Krieg – nah sein und die Menschen zur gegenseitigen Unterstützung einladen.

Heute ist von der welthaltigen Idee des Architekten Karl Schmucker wenig übrig. Zwar bewohnen noch immer über Tausend Personen das Hochhaus, aber es herrscht eine geisterartige Atmosphäre. Verschiedene Vorstöße, das Collini-Center zu sanieren, liefen ins Leere. Umso erfreulicher, wenn sich nun die kreative Szene dieser Malaise annimmt und um Zu

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Der Schweizer Künstler Dieter Roth gab in seiner unnachahmlichen Lakonie einmal zu Protokoll: „Revolution? Es reicht, zu sagen, hier stinkt’s.“ In Zürich stinkt’s gewaltig. Dieses Zeugnis stellte am vergangenen Freitag der Direktor des Deutschen Historischen Museums, Raphael Gross, dem Kunsthaus Zürich aus, respektive der privaten Stiftung Sammlung E. G. Bührle. Mit dieser hatte das größte Kunstmuseum der Schweiz nach einer Volksabstimmung 2011 einen Leihvertrag über 170 von 633 Kunstwerken aus der Sammlung des Pforzheimer Rüstungsindustriellen Emil Bührle (1890 – 1956) bis ins Jahr 2032 abgeschlossen. Dafür klotzte die Stadt ein Kenotaph des Stararchitekten David Chipperfield an den Heimplatz. Zwei Jahre nach

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Wärmt man Suppe zu häufig auf, wird sie schal. Dasselbe gilt für Debatten. Eine besonders schale Debatte der letzten Jahre ist jene um die Autofiktion. Sie, die sich bei Autoren wie Lesern ungebrochener Beliebtheit erfreut und die scharfe Trennung zwischen Autor und Erzähler, Biografischem und Fiktionalem ein für alle Mal aufhebt, ermüdet und nervt Kritiker.

Nun feuern Paul Jandl (NZZ) und Carlos Spoerhase (Süddeutsche Zeitung) die Debatte erneut an. Dabei gerät der Streit über eine literarische Form zu einer Art Generalabrechnung mit Kultur und Ideologie. Spoerhase beklagt, dass es inzwischen zum Erfolgsgaranten eines Textes geworden sei, wenn Autoren mehr oder minder unverstellt von sich selbst sprächen, ob nun in der Form der Autofiktion

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Manchmal lasse ich die Kunst außer Acht und schaue mir stattdessen die anderen im Ausstellungsraum an. Seite an Seite stehen zwei vor dem Einführungstext, dann schreiten sie bedächtig von Kunstwerk zu Kunstwerk. Es folgt eine Unterhaltung im Flüsterton: Sie weisen sich auf Details hin, gleichen Assoziationen und Wahrnehmungen ab. Es ist, als folgten sie einer einstudierten Choreografie, mit der sie sich nicht nur den Werken nähern, sondern zugleich signalisieren, dass sie sich angemessen durch diese Räume zu bewegen wissen, dass sie dessen Spielregeln kennen.

An dieser tradierten Haltung gegenüber der Kunst ist im 20. Jahrhundert viel gerüttelt worden. Insbesondere haben ab den 1960ern neue Strömungen wie Performancekunst versucht, Rezipient*inne

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Dort, wo sich die Nazis einst ein schickes Hauptquartier für die Reichsluftwaffe hinbauen ließen, mit Säulen, braunem Marmor und zu beschreitenden Treppen, vom Architekten Fritz Fuß entworfen, der, nachdem die Sowjets Berlin freibombten, sicherheitshalber gleich mal Selbstmord beging, da also befindet sich heute ein Privatmuseum, das sich vielleicht ein ganz klein wenig mehr an der späteren Geschichte des Gebäudes orientiert, als es zum Hauptquartier der US-Armee in Dahlem wurde und die Straße, an der es gelegen ist, unbenannt wurde zur Clayallee, um den US-Militärgouverneur General Lucius D. Clay zu ehren. Der hat nämlich die Luftbrücke initiiert und das ist ja eindeutig die schönere Geschichte.

Der Berliner Software-Unternehmer Markus

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Ein Monet und ein Renoir sind unter den knapp 40 gefälschten Gemälden, die derzeit, laut einer Expertin, auf der Online-Plattform eBay zum Verkauf angeboten werden. Dr. Carina Popovici hat sich auf die Echtheitsprüfung von Kunstwerken spezialisiert und konnte die Fälschungen mithilfe einer KI identifizieren. Die Technologie sei in der Lage gewesen, so Popovici, die gefälschten Kunstwerke mit einer „hohen Wahrscheinlichkeit“ als „nicht echt“ zu identifizieren.

Bislang fand die promovierte Teilchenphysikerin knapp 40 gefälschte Malereien. Höchstwahrscheinlich sind es aber deutlich mehr: „Als wir das Programm heute ausprobierten, fanden wir enorm viele Fälschungen. Fast nichts von dem, was wir analysiert haben, hat sich als

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Künstler wie Caspar David Friedrich beeinflussen die Geschichte über ihre Lebenszeit hinaus. Ihr stilistischer Einfluss macht an nationalen Grenzen keinen Halt. Als ich die Ausstellung Caspar David Friedrich. Kunst für eine neue Zeit vergangenen Dezember in der Kunsthalle in Hamburg sah, rief sie mir in Erinnerung, wie groß sein Einfluss weltweit war. Wir sahen seine Gemälde dort in Konversation mit internationalen Kunstschaffenden, die sein Werk interpretierten, neu verpackten oder auch kritisierten. Unter den vielen zeitgenössischen Künstlerinnen waren der US-Amerikaner Kehinde Wiley, der japanische Maler Hiroyuki Masuyama und die finnische Fotografin Elina Brotherus.

Der kuratorische Ansatz von Kunst für eine neue Zeit lag auf der Rezeption von Fri

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Gewaltige Rohrleitungen durchschneiden den Raum, ein Rauschen und Dröhnen erklingt. Nicht die Röhren verursachen diese Geräusche, sondern die Videoinstallation, die den Raum dahinter einnimmt. Die gewaltigen Leinwände scheinen um den lang gestreckten Raum herumzufließen. Man hört ein Sprudeln und Gurgeln, sieht eine Aufnahme aus der Tiefe, gemacht von einem Tauchroboter.

Die Röhren, das Rauschen und die Aufnahmen sind Elemente der Ausstellung Leak. Das Ende der Pipeline, die im Museum der bildenden Künste in Leipzig zu sehen ist und eine Kooperation der Künstlerin Hito Steyerl, des Kulturwissenschaftlers Philipp Goll und des ukrainischen Filmemachers Oleksiy Radynski darstellt. Steyerls Videoerzählung folgt der Entstehung des Nord-Stream-Pip

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Es kann ja wirklich kein Zufall sein. Auf dem diesjährigen Gallery Weekend, das erstmals und als voller Erfolg unter der neuen Leitung von Antonia Ruder in Berlin stattfand und so nah an der Eröffnung der Venedig-Biennale lag, dass man hoffte, noch mehr internationale Kunstkäuferinnen anzuziehen, da wurden auf den nicht mehr zu zählenden Events nicht nur auffällig oft Butterstullen gereicht und noch mehr overfillte Lippen als sonst umhergetragen, nein, es gab einen ganz eindeutigen und wirklich bemerkenswerten Trend: das Tierkunstwerk.

Sie glauben es nicht? Nun ja, ich werde das mal kurz aufführen: Durch die Kunstwerke (KW) lief – ein bisschen schauderlich – eine rote achtbeinige Katze. Also sie lief nicht wirklich, sie war bereits gestorben, aber i

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Musik zu veröffentlichen, habe er nie vorgehabt. Geschweige denn sie live zu performen, sagt Wolfgang Tillmans, während eines Zoom-Calls aus seiner Berliner Heimat. Der Künstler spricht über sein zweites Album Build from Here. Dort ist auch ein älteres Stück zu finden: Der Song Grüne Linien wurde schon 2018 während eines Auftritts seiner Band Fragile auf Fire Island aufgezeichnet.

Im Gespräch wird deutlich, warum er seine Musik erst nie veröffentlichen wollte. Als junger Mann reiste er nach Großbritannien, zunächst eigentlich um sein Englisch zu verbessern. Sofort verzauberte ihn die Romantik der britischen Popmusik: „Die britische Popmusik war damals extrem vielfältig“, schwärmt er. „Es wurden verschie

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Zwei schwarzgekleidete Personen knien auf dem Boden, so regungslos, dass sie Schmerzen haben müssen. Ob sie ihre Gesichter verziehen, lässt sich unmöglich erkennen, denn ihre Gesichtszüge sind durch übergroße Goldmasken verdeckt. Es sieht fast so aus, als steckten ihre Gesichter in einem halben Osterei.

Durch ihre Bewegungslosigkeit wirken sie ein wenig wie Skulpturen. Nur das leichte Auf und Ab ihres Brustkorbs verrät ihre Menschlichkeit. Doch wirklich menschlich sind die Figuren nicht. Jedenfalls nicht nur: Sie sind Hybride aus Mensch und Maschine, sogenannte „Idiome“, geschaffen von dem französischen Künstler Pierre Huyghe. Dieser kreierte die „Idiome“ für seine bisher größte Ausstellung, Liminal in der P

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„Frauen in Leitende Stellungen“ lautet die Überschrift eines Artikels aus dem Jahr 1950, der in einem Glaskasten ausgestellt ist. Die „Vereinigung volkseigener Baumwollspinnereien“ wirbt darin um mehr weibliche Arbeitskräfte, um die Wirtschaft anzukurbeln. Wie die Realität dieser Arbeitskräfte in den meisten Fällen ausgesehen haben dürfte, zeigt ein anderes, daneben ausgestelltes Zeitdokument von 1962: Ein Arbeitsvertrag einer Angestellten in der Leipziger Baumwollspinnerei beziffert 1,50 DM Stundenlohn im Drei-Schicht-Betrieb, eine Kündigungsfrist von 14 Tagen und jährlich zwölf Tage Erholungsurlaub.

Die ein Stockwerk darüber zu sehende Webarbeit von Gabriele Stötzer, die wegen „politischen Verrats“

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Neulich in London habe ich die Galerie nicht gefunden. Die Karten-App bestätigte, ich sei längst am Ziel angekommen. Aber da waren nur ein üppig dekorierter Blumenladen – sollten das menschengroße Kürbisse sein? Im März? –, ein durch und durch undurchlässiger Bürobau und eine italienische Restaurantkette, die sich gern dort niederlässt, wo sie Menschen mit Geld vermutet. Wo war denn nun die Galerie Gagosian, die gerade den Skandalkünstler Damien Hirst ausstellt?

Da musste ich mich dreimal um mich selbst drehen, bis mein Blick nicht nur an dem schwarzen Ferrari hängen blieb, sondern die Augen auch dahinter griffen. Auf das grüne Apothekenzeichen im großen Schaufenster, den hellen Innenraum, in dem nur ein Medikament

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Er fand die Worte, die es braucht, um das Richtige zu sagen – oder, wenn das ausnahmsweise einmal nicht gelang, zumindest das Falsche richtig. Der vor fünf Jahren im Alter von 57 reichlich früh verstorbene Wiglaf Droste war unter den Wortkünstlern im deutschsprachigen Raum eine Ausnahmegestalt, und das nicht nur im Hinblick auf die beeindruckende Physis, die der als Heranwachsender noch spindeldürre Schriftsteller über die Jahre mit Genuss und Frust aus sich heraus modellierte. Schon mit 17 zog der in Bielefeld als Kind einer Lehrerfamilie aufwachsende Gymnasiast in ein kleines WG-Zimmer, das er selbst finanzierte, hörte Bob Dylan und Joan Baez, las Erich Fried, Enzensberger und Bert Brecht. Er schrieb für eine Schülerzeitung, versuchte sich ba

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Bis zu ihrem Tod 1944 träumte Hilma af Klint von einem Tempel, der ihre Kunst beherbergen sollte: Schon 35 Jahre zuvor fertigte sie erste Entwürfe dafür an, immer wieder zeichnete sie das Gebäude in neuen Variationen. Einige fixe Parameter allerdings wiederholten sich: Eine Treppe sollte den Saal schneckenhausförmig Richtung Kuppel durchlaufen, am höchsten Punkt sollte ein Observatorium den Blick zum Himmel öffnen. Als dann das New Yorker Guggenheim-Museum mit seinen spiralförmig ansteigenden Gängen ihre Werke 2019 zeigte, schien sich diese Vision auf fast unheimliche Art zu bewahrheiten. Dass allerdings mehr als 600.000 Menschen ihre Bilder sehen wollten – das hätte die schwedische Malerin wohl auch in ihren allzeit kühnen Tr

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Es ist eine silbrig glänzende, stelenähnliche Skulptur. Knapp anderthalb Meter groß, steht sie leicht schräg auf einem Sockel. Von hinten gestützt durch Metallträger, zeigt sie von vorne eine grobe Struktur, wie man sie von alten Backsteinmauern kennt. Auf der Rückseite ist kein Glanz mehr zu erkennen, hier offenbart sich, in dunkler Farbe, auch die Beschaffenheit des Artefakts: die Skulptur ist flach, die Backsteinstruktur nur ein versilberter Abguss einer Mauer. Stände sie für sich, würde man sie mit ähnlich scheinenden Skulpturen vergleichen, Arbeiten von Thomas Schütte oder Anselm Reyle.

Hier aber ist der Kontext ein gänzlich anderer: Die polnische Künstlerin und Politikwissenschaftlerin Natalia Romik, Urheberin der A

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Im April eröffnet die 60. Kunstbiennale in Venedig. Vor einem Jahr wurde Çağla Ilk als Kuratorin des deutschen Beitrags ernannt. Die Videokünstlerin Yael Bartana und der Theaterregisseur Ersan Mondtag werden den Deutschen Pavillon gestalten. Zudem wird von Michael Akstaller, Nicole L’Huillier, Robert Lippok und Jan St. Werner erstmals die Insel La Certosa bespielt. Der gemeinsame Titel Thresholds steht dabei für die Gegenwart als Schwelle – ein Ort, an dem niemand bleiben kann und den es nur gibt, weil etwas war und wenn etwas sein wird.

der Freitag: Frau Ilk, Yael Bartana ist die erste in Israel geborene Künstlerin, die im Deutschen Pavillon ausstellt. Ersan Mondtag ist Enkel türkischer Gastarbeiter, geboren 1987, aufgewachsen in West-Berlin.

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Honoré Daumier, das war doch dieser geniale französische Karikaturist aus der Mitte des 19. Jahrhunderts, der politische Gestalten seiner Zeit ebenso schonungslos demaskierte wie die Vertreter der neuen bürgerlichen Herrschaft in ihren Justizpalästen, Banken, Kontors und nicht zuletzt im Familienleben. Und hat er nicht die ideale Allegorie der Birne für den „Bürgerkönig“ Louis Philippe erfunden, die wir später bei der langen Regierung des Kleinbürgerkanzlers Helmut Kohl wieder aufnahmen? Hat er nicht. Daumier ging in seinen Birnen-Variationen nur besonders fantasievoll mit einer allgemein populären satirischen Verfremdung um.

Daumier war Chronist und Kritiker der ereignisreichen Verwandlung einer feudalen in eine bourgeoise Herrs

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Wir müssen hier ja weiterhin aufpassen, was wir so schreiben. Denn nicht nur der Berliner Kultursenator, auch die Kulturstaatsministerin Roth hat es angekündigt. Spätestens seit der Berlinale soll ganz genau aufgepasst werden. Selbst auf die Jurys hat man es nun abgesehen, um kulturelle Inhalte kontrollieren zu können – und damit Antisemitismus zu verhindern –, kündigten beide in der Presse an. Also, jetzt bloß nicht auffallen. Nicht provozieren lassen! Lassen Sie uns zu etwas Unverfänglichem kommen: nackte (und Schwarze) weibliche Körper, beziehungsweise der Blick auf diese.

Im Berliner Schinkel-Pavillon werden nämlich gerade Arbeiten der beiden Maler Jill Mulleady und Henry Taylor gezeigt und die beschäftigen sich mit der Darst

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In einer Nachricht heißt es, „Ich hoffe, dass eine Rakete meinen Ex erwischt hat“, in einer anderen: „Ich schäme mich, dass ich meine Katzen mehr vermisse als meinen eigenen Vater.“ Eine dritte gesteht: „Ich möchte meinen Vater wegen seiner sowjetischen Überzeugungen umbringen.“ „Ich kann nicht masturbieren“, liest man. Oder: „Ich masturbiere jeden Tag.“ Wieder jemand anderes schreibt: „Ich will noch einmal fantastischen Sex, bevor der Atomschlag passiert, aber seit zwei Monaten habe ich nicht mal mehr die emotionale Kraft, Tinder zu öffnen.“

Diese intimen Geständnisse prangen an einer Wand des Jam Factory Art Center, einer eleganten Galerie im westukrainischen Lwiw, die inmitten der russis

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Schon der erste Raum ist frappierend: In einer abgedunkelten Rotunde werden prunkvolle Gemälde aus dem 18. Jahrhundert angestrahlt. Ignatius Sancho, Schauspieler, Autor, Komponist und der erste Mann afrikanischer Herkunft, der in Großbritannien wählen durfte, wurde von Thomas Gainsborough in Bath porträtiert. Francis Barber, Diener und später Erbe des Universalgelehrten Samuel Johnson, saß dem Maler Joshua Reynolds in dessen Atelier am Leicester Square Modell.

Alle Porträtierten auf diesen Gemälden sind Schwarz (darunter auch Kerry James Marshalls zeitgenössische Vorstellung des versklavten afroamerikanischen Künstlers Scipio Moorhead, über den nur wenig durch ein flüchtiges Lob in einem Gedicht von 1773 überliefert ist). In d

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Wer in den vergangenen Tagen im Internet war, muss es mitbekommen haben, unzählige Videos davon wurden ausgespielt. Ein neues Zeitalter ist angebrochen. Der britische Modedesigner John Galliano hat auf der Pariser Modewoche seine neue Kollektion als Creative Director für Maison Margiela gezeigt. Und man kann es nicht anders sagen: Sie war weltverändernd.

Gruselige Kreaturen wankten, züngelten sich durch düstere Unterwelten. Angemalte Gesichter, die glänzten wie Porzellan, hatten etwas Puppenhaftes. Die Models aller Geschlechter trugen enge Korsetts. Halsteile. Hüftteile. Neue Formen, unnütze Accessoires. Man sah neue Walks. Neue Anmut. Dünne Spitze über Haut. Breite Hüften. Durchscheinende üppige Schamhaar-Toupets. Krauses Haar unt

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„Threshold“ heißt der deutsche Beitrag zur diesjährigen Kunstbiennale in Venedig, die am 20. April eröffnen wird. Er fordert gleich mehrere Künstler dazu auf, Schwellen zu überwinden – zwischen Geschichte, Gegenwart und Zukunft. In „Drei Szenarien“, so die Pressemitteilung, sollen uns die israelische Künstlerin Yael Bartana und der Berliner Theatermacher Ersan Mondtag im Deutschen Pavillon und die Soundkünstler Michael Aksteller, Nicole L’Huillier, Robert Lippok und Jan St. Werner auf der Insel La Certosa aus den Sackgassen einer „katastrophal empfundenen Gegenwart“ führen. Und wohin? Ins Offene.

Wo das liegt? Folgt man dem Fingerzeig von Çağla Ilk, die den Beitrag kuratiert: in der Vielstimmig

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Wo ist die Leichtigkeit hin? Das schwebende Gefühl in der Bar, in der Zeit verlangsamt, der Magnetismus der Erde scheinbar aufgelöst wird? Hat die Pandemie all das genommen – die befremdliche Erkenntnis, dass ein Teil unserer Nachbarn und Bekannten gegen wissenschaftliche Erkenntnisse ernsthaft mit Bauchgefühlen opponierte, sich tiefer in Meinungen eingrub? Ist es der Klimawandel, dessen düsteres Zukunftsbild lustige Stunden verschattet? Jedenfalls hat er der Kritik an der warenproduzierenden Gesellschaft etwas beigemengt, das den Preis einer Ausbeutung aller Ressourcen überdeutlich koloriert: Die demokratische Gesellschaft, die sich eine gewisse Heiterkeit erhielt (weil sie ja die Zukunft offen gestalten würde, den Kurs der Dinge verändern kön

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Es kommt nicht oft vor, dass zeitgenössische Kunst einen zum Lachen bringt. Aber im Raum von Jesse Darling bei der Turner-Preisverleihung konnte ich nicht an mich halten. Darlings Kunst hat Energie und Witz: die Skulpturen aus Leitplanken und rot-weißem Plastikklebeband; die frivolen, phallischen Kerzen, die aus den Wänden ragen; die Hämmer, die mit Bändchen und Glocken verziert und in Glaskästen platziert sind (ihre inhärente Männlichkeit wird auf diese Weise parodiert und transformiert, so als wären sie Fetischobjekte einer zukünftigen Religion). „Das ist der meistbeachtete Auftritt, den ich in Großbritannien je haben werde“, sagt er selbst über die Ausstellung in der Galerie Towner Eastbourne. „Die britische &

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Seit einiger Zeit versuche ich, ein Experiment oder eine Art Selbstversuch durchzuführen. Ich habe mir streng vorgenommen, nur noch Kultur von Frauen zu rezipieren: Filme, Kunst, Theaterinszenierungen, Literatur, Musik. Ausgelöst hat diese unausführbare Idee der Dokumentarfilm Brainwashed. Sexismus im Kino, der zurzeit in der Arte-Mediathek zu sehen ist. Darin zeigt die US-amerikanische Regisseurin Laura Mul

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Man könnte ihn den Galeristen nennen, dem die Gen Z vertraut. Gerade mal 30 Jahre alt ist er. Seine Künstlerinnen und Künstler auch so in die Richtung. Aber jung zu sein, darum geht es gar nicht nur. Es geht darum, dass die Kunst, die Anton Janizewski in seiner Galerie in Berlin zeigt, einen Weltzugang ermöglicht, der für viele Galeriebesucher und Käufer vielleicht neu ist. Wie auf der letzten Ausstellung. Schwarze Leinwände, weiße Schrift darauf gemalt. Schreiend: KINDER MALEN SONNEN WEIL SIE DIE WELT BRENNEN SEHEN WOLLEN. Auf einem anderen steht: KURT COBAIN WAS MURDERED. In der Mitte des Raumes Monobloc-Stühle im Kreis, auf denen Motorrad-Kutten hängen. COMING OF RAGE steht da drauf oder GOD HATES FACTS.

Die Bilder sind von Nicholas Warbu

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Eine Gesellschaft in ihrer Zeit kann man unter anderem darin verstehen, wie sich die Menschen untereinander anschauen. Was ist geboten, was erlaubt, was gilt als problematisch und wo ist etwas strikt verboten? Da geht es natürlich um den Körper als Ganzes, nackt, bekleidet, inszeniert, aber vor allem geht es um das Gesicht. Und wie man es auch maskiert: Das Gesicht ist nicht anders vorstellbar denn als Ausdruck.

Ausdruckslosigkeit ist gefährlich, unheimlich oder mindestens komisch, wie bei Buster Keaton. Die Semantik der Gesichter unterliegt überall einem strengen Regelwerk. Wer wen wie und wann anschauen darf, wer was wann und wie zeigt und welche Werte mit welchem Ausdruck verbunden sind, das nennt man auch „Kultur“, und weil Kultur etwas sehr Kompliziertes

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Wer ein klein bisschen in die Zukunft schauen möchte, dem ist der Künstler Johannes Büttner immer sehr zu empfehlen. In seinen Arbeiten thematisiert er die sauschweinischen Umstände der Gig-Economy oder die zeitgeistigen Neo-Lib-Versprechen von Mindset-Coaches – und zwar bevor diese Themen in der bürgerlichen Presse auftauchen. Dabei werden sie von ihm in Installationen, Sounds, Videoarbeiten auch schlauer aufbereitet, weil er sich eher für die Dynamiken interessiert als für die Bewertung.

Aktuell zeigt Büttner im Rahmen des BPA – Berlin program for artists in den Berliner Kunstwerken noch bis 7. Januar 2024 eine Installation, deren Wichtigkeit für die nächsten Jahre überhaupt nicht hoch genug eingeschätzt werden kann.

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Wenn die Kunstbiennale in Venedig kommendes Jahr im April eröffnet, sollen die Ausstellungen in den 29 Länderpavillons stärker denn je die kulturellen Grenzen verschwimmen lassen. Den Kuratoren zufolge wird die 60. Ausgabe der weltweit ältesten und größten Ausstellung für zeitgenössische Kunst unter dem Titel „Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere“ eine Feier der Migration und der Nicht-Zugehörigkeit sein.

Der polnische Pavillon wird jedoch andere Töne anschlagen – und die harmonieren mit den Leitlinien der nationalistisch-populistischen Partei Recht und Gerechtigkeit (PiS), die das Land seit 2015 regiert.

Als Ergebnis der jüngsten Wahlen ist zu erwarten, dass die PiS zum Zeitpunkt der Eröffnung der Bienn

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Am 20. November 1970 präsentierte der US-amerikanische Komiker Bob Hope in der Royal Albert Hall in London die jährliche Wahl der Miss World. Die Show wurde live auf BBC One übertragen. „Das ist ein ganz schöner Viehmarkt“, war einer seiner augenzwinkernden Sprüche. „Ich war dahinten und habe mir Kälber angesehen.“ Augenblicke später begannen Frauen, Mehlbomben in seine Richtung zu werfen.

Wer bei solchen abstoßenden Gags Wut empfindet, für den ist dies die richtige Ausstellung: Women in Revolt! in der Tate Britain in London beginnt im Jahr 1970 mit Protesttransparenten gegen die Miss-World-Shows – „Wir sind nicht schön. Wir sind nicht hässlich. Wir sind wütend“ – und der ersten Fraue

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