„Mehr denn je“ erzählt die Geschichte einer unheilbar erkrankten jungen Frau, die sich einer konventionellen Behandlung im Krankenhaus verweigert, um sich alleine auf eine existenzielle Reise zu begeben. Wie entstand der Wunsch, diese Geschichte zu erzählen?
Meine Mutter litt zweiundzwanzig Jahre lang an Multipler Sklerose, im Alter zwischen fünfundfünfzig und achtundsiebzig. Zwei Jahre, nachdem ich angefangen hatte, über dieses Projekt nachzudenken, erkrankte sie an Krebs. Wir waren uns sehr nahe. Wir sprachen viel über ihren Zustand, sie selbst machte sich Gedanken darüber, wie sie Kranke begleiten, ihnen helfen könne, „loszulassen“. Während ich an der Geschichte schrieb, verschlechterte sich ihr gesundheitlicher Zustand, 2015 ist sie dann gestorben. Während ihrer Krankheit hat mir die Arbeit an dem Film geholfen, die richtige Einstellung zu finden. Sie hat mir die Kraft gegeben, ihr – auch wenn mich das persönlich sehr geschmerzt hat – zu sagen: „Du musst keine Chemo machen, wenn du nicht willst. Du tust, was du willst.“ Seit ich ein kleines Mädchen war, habe ich oft an diesen Moment am Lebensende gedacht. Wie kann ich mich dann so gut und frei wie möglich fühlen? Wie können wir uns vom Druck der Gesellschaft oder den Wünschen der Gesellschaft und denen unserer Lieben emanzipieren, aber unseren eigenen Weg finden, Krankheit und gegebenenfalls den Tod zu akzeptieren? Davon handelt Hélènes Geschichte.
Hélènes Reise ist allen Widrigkeiten zum Trotz sehr leuchtend und farblich intensiv gestaltet. War es für Sie der klare Wunsch, einen hellen, fast sonnigen Film über dieses Thema zu machen?
Ja. In unserer westlichen Gesellschaft wird der Tod meistens als etwas Schreckliches, Dunkles, Dämonisches beschrieben. Ich sehe das nicht so. Natürlich ist es für uns Lebende extrem traurig, einen geliebten Menschen zu verlieren. Es ist herzzerreißend. Aber für die Person, die geht, sollte es das nicht sein. Leider hat der Tod in unserer Gesellschaft einen schlechten Ruf. Das ist sehr schade. Obwohl wir wissen, dass wir sterben werden – es ist unsere einzige Gewissheit! ziehen wir es vor, das Thema zu vermeiden. Aber wir sollten darüber reden. Wenn ich bei diesem Film einen Wunsch habe, dann den, dass das Publikum angeregt wird, dieses Thema mit nahestehenden Menschen zu diskutieren. Das Lebensende sollte kein Tabu sein.
Hélène beschließt, nach Norwegen zu gehen. Warum dieses Land und nicht ein anderes?
Wegen des Lichts. Es gibt im norwegischen Sommer keine Nacht. Die Sonne geht nicht unter, es wird nie richtig dunkel. Dies schien mir in einer interessanten Wechselwirkung mit einem Buch zu stehen, das ich gelesen habe, „Die Nahtoderfahrung“. In diesem Buch sind Zeugnisse von Menschen gesammelt, die medizinisch betrachtet schon tot waren, oder anders formuliert: einen Tod erlebt haben. Sie alle sprechen von diesem Licht in jenem Moment, in dem sie diese Welt verlassen, und von weißen Formen. Während der Dreharbeiten in Norwegen habe ich versucht, ein Licht zu finden, das diese etwas mystische Offenbarung hervorruft. Als Hélène dort ankommt, ist das Licht so stark und allgegenwärtig, dass es sie überfällt und sie am Schlafen hindert. Es ist eine Erfahrung, die zunächst einen feindlichen, unangenehmen Aspekt hat.
Stehen die Location und die Umgebung sinnbildlich für etwas? Sollen sie uns etwas zeigen?
Ja! Sie zeigen, dass die Natur größer ist als wir selbst – größer als Hélène und ihre Krankheit. Die Natur ist beeindruckend und zeitlos. Und sie ist gleichgültig gegenüber unseren Problemen und unseren Ängsten. Inmitten der Fjorde wird man demütig.
Können Sie uns etwas über die Krankheit von Hélène erzählen? Ist sie eher als eine existenzielle Metapher zu verstehen?
Hélène leidet an einer seltenen Krankheit, der „Idiopathischen Lungenfibrose“. Die Lunge verhärtet sich, sie vernarbt und wird weniger elastisch, bis die Luft nicht mehr eindringt und die Person nicht mehr atmen kann. Es ist nicht bekannt, woher diese Krankheit kommt und wie man sie behandeln kann. Eine Organtransplantation kann eine Zeit lang helfen, aber nicht immer. Diese Krankheit symbolisiert das Leben von Hélène. Sie ist eine junge Frau, die nie wirklich das Leben gelebt hat, das sie leben wollte. Sie konnte nie so „atmen“, wie sie es wollte, sie hat Dinge für ihre Mutter getan, für ihren Mann ... Am Ende wird alles um sie herum immer klaustrophobischer. Sie bekommt immer weniger Luft. Aber paradoxerweise erlaubt ihr diese Krankheit, eine emanzipatorische Entscheidung zu treffen. Indem sie sich entscheidet zu gehen, beginnt sie endlich zu atmen. Sie wird sie selbst.
„Mehr denn je“ ist auch ein Film über ein Paar. Ist es auch eine Liebesgeschichte?
Ja, diese Dimension des Films ist sehr wichtig. Es gibt keinen größeren Liebesbeweis als den, den anderen loszulassen. Matthieu, gespielt von Gaspard Ulliel, Hélènes Mann und Liebhaber, ist für mich der Held am Ende des Films. Denn er erlaubt Hélène, ihr Lebensende so zu gestalten, wie sie es wirklich will. Und auch wenn es für ihn selbst schrecklich ist, kann er sich im Spiegel ansehen und sagen: „Ich habe getan, was sie wollte.“ Er begreift, dass er sie verlassen muss, sie gehen lassen muss.
Am Anfang fällt es ihm jedoch sehr schwer, die Tatsache zu akzeptieren, dass sie sich einer klinischen Behandlung verweigert.
Ja, am Anfang. Er ist ein Mensch, der für das kämpft, was er will. Wir, die Lebenden, scheinen die Sterbenden nie nach ihrer Meinung zu fragen. Wir denken, wir wüssten, was sie wollen, weil wir aus Egoismus nicht wollen, dass sie gehen, dass sie uns verlassen. Wir wollen bis zu ihrem letzten Atemzug für sie da sein. Oft scheinen die Menschen in der Umgebung des Sterbenden fast mehr zu leiden als der Kranke und der Kranke verbringt seine Zeit damit, sie zu beruhigen. Für Hélène ist das sehr anstrengend. Sie muss eine wahnsinnige Energie aufbringen, um Matthieu zu überzeugen, der sie nicht versteht, um ihre Freunde zu beruhigen, die sie wie ein rohes Ei behandeln, um ihre Mutter aufzumuntern, die zusammengebrochen ist ... Die Worte von Mister, gespielt von Bjørn Floberg, bringen alles auf den Punkt: „Die Lebenden können die Sterbenden nicht verstehen.“
Mister ist der norwegische Gastgeber von Hélène. Welche Rolle spielt er für die Handlung und vor allem für Hélène?
Er ist der „Fährmann“. Dank ihm und seines Blogs, in dem er sich über seine Krankheit und seinen Tod lustig macht, trifft Hélène die Entscheidung zu gehen. Außer seiner Erkrankung hat Mister ein Trauma erlebt: Bei einem Unfall auf einer Bohrinsel verloren dreiunddreißig Menschen, die ihm nahestanden, ihr Leben. Er hat eine sehr klare und ironische Art,
mit seiner Situation umzugehen. Für ihn kann niemand die Bedingungen des Todes für andere wählen. Er ist ein Verfechter des freien Willens. Er erlaubt Hélène, sich selbst zu finden, ihren eigenen Weg zu gehen, ohne sie jemals in irgendeine Richtung zu drängen.
Der Film zeigt auf seltene und eindringliche Weise, wie ein Paar sich neu erfinden und die größte aller Prüfungen überstehen kann ...
Deshalb gibt es auch nur eine einzige Liebesszene, am Ende des Films. Hélène und Matthieu sind endlich auf derselben Seite. Sie können sich „mehr denn je“ lieben, weil er endlich akzeptiert, was sie will. Dann endlich ist zwischen ihnen eine Sinnlichkeit möglich. In dieser Szene sind wir ganz nah an ihrer Haut, wir fangen ihre fleischliche Intimität ein und die unglaubliche Liebe, die sie füreinander empfinden. In dem Moment, in dem sie den Gedanken an den Tod akzeptieren, ohne ihr gemeinsames Leben zu beenden.
Vicky Krieps in der Rolle der Hélène ist sehr bewegend. Wie haben Sie sich kennengelernt?
Vicky ist meine Nachbarin, wir wohnen zwei Gehminuten voneinander entfernt in Berlin. Wir kennen uns schon seit fast zehn Jahren. Unsere Töchter sind im gleichen Alter, die beiden sind sehr gut befreundet. Sie hatte einen Cameo-Auftritt in meinem letzten Film „Drei Tage in Quiberon“, wo sie ein Dienstmädchen spielt. Wir haben uns eines Tages in einem Café getroffen, und in einer Stunde habe ich ihr den ganzen Film vorgestellt. Am Ende weinte Vicky. Sie sagte zu mir: „Ich brauche das Drehbuch nicht zu lesen, ich mache es.“ Und dann hat sie mir Gaspard vorgestellt ... Vicky ist eine außergewöhnliche Schauspielerin. Sie hat etwas so Seltsames, Zeitloses. Sie ist hier und doch schon woanders. Sie ist sowohl sensibel als auch sehr stark. Sie hat mich einfach sehr inspiriert.
Die Kamera erlaubt es uns, sehr nah an Hélène heranzukommen, ohne in sie einzutauchen. Welche Vorstellung hatten Sie vom Bildausschnitt?
Wir haben viel mit Yves Cape, dem Kameramann, diskutiert. Für uns war es wichtig, ihr Raum zu geben und Zeit zu lassen. Sie ist eine kranke Figur, die kurzatmig ist, die Pausen machen muss, die hustet, die eine sehr leise Stimme hat, auch wenn sie schreckliche Dinge sagt. Ich brauchte eine nahe und ruhige Kamera, die ihr diesen Raum geben würde.
Was ist mit dem Rest der Inszenierung? Der Film ist ja gewissermaßen zweigeteilt, mit dem ersten Teil in der Stadt und dem zweiten mitten im Nirgendwo ...
In dem Teil, der in Bordeaux spielt, haben wir versucht, eine sehr klaustrophobische Welt zu schaffen, in der Hélène nie aus dem Haus geht. Es gibt nur Innenräume. Wir haben das alles mit Yves Cape und der Szenenbildnerin Silke Fischer gemeinsam entwickelt. Wir haben ihre Wohnung gefilmt, mit geschlossenen Fensterläden, wenn Hélène auf ihrem Bett liegt, mit dem gedämpften Geräusch der Stadt. Sie ist in einer Art Depression gefangen, denn die Lebenden verstehen sie nicht, mit Ausnahme von Mister, der das Gleiche durchmacht: Er lebt und weiß, dass er sterben wird. Die Ankunft von Hélène in Norwegen wurde dann wie eine Geburt gefilmt. Die Bilder öffnen sich. Vicky macht sich ganz klein, bis sie in der Landschaft verschwindet. Sie taucht in das Wasser ein. Sie wird eins mit der Natur.
Es gibt viele poetische, mit dem Wasser und dem Meer verknüpfte Momente. Wie kam es zu diesen Motiven?
Für mich sind die Wassermotive Visionen, Bilder aus dem Unterbewusstsein von Hélène. Sie führen sie dorthin, wo sie sein möchte: in die Natur. Es sind Bilder vom Eintauchen, vom Meer. Das Motiv des Meeres ist das einer Reise in eine andere Welt. Eine schwierige und schöne Reise. Es ist wie bei einer Geburt, wo man aus dem Fruchtwasser auftauchen muss und ab diesem Moment dem Tod entgegengeht.
Der Film hat auch eine auffällig ruhige Tongestaltung ...
Nicolas Cantin ist ein außergewöhnlicher Tontechniker. Es stimmt, es ist schließlich ein sehr ruhiger Film geworden, bei dem wir der Natur ihre eigene Sprache geben wollten. Wir haben ihr ihren Platz eingeräumt. Auch Vickys Stimme ist sehr leise, fast wie ein Hauch. Aber sie ist auch in der Lage, in einem Moment der Befreiung zu explodieren, wenn sie Mathieu sagt, dass sie dieses Leben nur noch allein leben kann. Ich nenne diese Szene „die weiße Szene“, weil darin alle Geräusche der Natur ausgelöscht sind. Alles ist „on mute“, das Wasser, der Wind in den Bäumen, ein vorbeifliegender Vogel, sogar er ist still! Das war nicht geplant, es war einfach so. Es ist, als ob die Natur verblasst, um Hélène/Vicky ihre große Szene zu geben.
Obwohl es um komplexe Gefühle geht, strahlt „Mehr denn je“ eine große Fluidität und sogar gewisse Einfachheit aus. War dieser Rhythmus von Anfang an da oder entstand er erst später, beim Schnitt?
Ich begann mit dem Schnitt im Oktober 2021. Sandy Bompar, die Cutterin, kam nach einem ersten Schnittentwurf zu dem Projekt, während ich in London Episoden von „Killing Eve“ drehte. Sie hat wesentlich dazu beigetragen, dem Film eine weniger konventionellen Erzählweise zu geben. Ursprünglich war mein Film viel mehr auf die Geschichte ausgerichtet. Es war ihre Idee, mit Collagen Misters Vergangenheit zu evozieren. Es war eine wunderbare Zusammenarbeit.
Würden Sie zustimmen, dass Ihr Film keine Leidens-, sondern eine Emanzipationsgeschichte ist, ein Film über Freiheit?
Unbedingt, ja! „Mehr denn je“ ist ein Film über eine Frau, die sich befreit, indem sie beschließt, diese Welt so zu verlassen, wie sie es will.
Wir haben zuvor davon gesprochen, dass die Offenbarung von Hélène zu einem großen Teil durch die Schönheit der Landschaft geschieht. Es ist unmöglich, nicht an Ingrid Bergman in „Stromboli“ zu denken ...
Diesen Film habe ich mit Vicky erst recht spät gesehen, kurz vor den Dreharbeiten. Ich gebe zu, dass ich ihn zuvor noch nie gesehen hatte, und es war mein Assistent Guillaume Bonnier, der uns riet, ihn anzuschauen. Bergman in „Stromboli“ ist unerträglich mit ihrem Fischer-Ehemann und den anderen Inselbewohnern. Er hat uns geholfen, uns eine Heldin vorzustellen, die nicht unbedingt sympathisch und auch nicht politisch korrekt ist. Ein weiterer Film, den ich sehr inspirierend fand, war Hiroshi Teshigaharas „The Sand Woman“. Ich liebe diese invasive natürliche Welt, die das Unterbewusstsein der Figur zum Ausdruck bringt.
Auch in „Drei Tage in Quiberon“ gibt es das Bild einer Frau, die allein auf dem Meer treibt ... Es ist Romy Schneider zu Beginn ihrer Krankheit. Woher kommt dieser Wunsch, Frauen in dem Moment ihres Lebens zu filmen, wenn sie zu verschwinden drohen?
Mich interessiert dieser existenzielle Moment im Leben einer Frau, wenn sie versucht, aus diesem Loch herauszukommen, in dem sie sich verloren hat. Es ist ein Moment, in dem sie nicht verstanden wird, in dem man ihr ständig sagt, was sie tun soll. Sie muss einen Weg finden, um ihre Mitte zu finden und sich von den Blicken der anderen zu befreien, um zu wissen, was sie wirklich will. Für Romy bedeutete das, mit dem Drehen aufzuhören, eine Pause zu machen und bei ihren Kindern zu sein. Für Hélène ist es die Suche nach einem Ort, an dem sie loslassen und ihre letzten Momente erleben möchte. Diese Reise ist von einem gewissen Unbehagen begleitet. Aber am Ende gibt es ein Licht, eine Befreiung.
„Mehr denn je“ trägt eine sehr schwere Last: Es zeigt Gaspard Ulliel in seiner letzten Rolle.
Ja, das stimmt. Als wir die Nachricht von seinem Tod erhielten, waren wir mit Sandy in Berlin, um den Schnitt zu beenden. Wir waren während des Schnitts so nah an ihm dran, wir waren die ganze Zeit bei seinem Bild. An dem Tag, an dem er starb, hatte ich einen letzten Austausch mit ihm per Sprachnotiz. Während der Dreharbeiten hatte Gaspard mir seine Zweifel mitgeteilt. Er hatte Angst, dass er in dem Film nicht so gut war, wie er es sich gewünscht hat. Er war ein solcher Perfektionist! Er war ein anspruchsvoller Schauspieler, der an sich selbst, an der Figur, vielleicht am Film zweifelte. Ich antwortete ihm in dieser Voicemail, dass ich mit dem Film, mit ihm und mit der Chemie, die er mit Vicky aufgebaut hatte, sehr zufrieden bin. In der letzten Einstellung des Films ist er es, der auf einem Boot verschwindet. Wir waren überwältigt, weil es wie eine Vorahnung wirkt. Dieses Ende ist so wichtig. Wir haben es sehr früh geschnitten. Ich wollte nicht, dass es melodramatisch oder zu distanziert ist. Ich wollte, dass es emotional ist, aber am Ende hell ist. Er fährt mit dem Boot weg und sie bleibt an Land. Ich denke die ganze Zeit an Gaspard. Ich denke an sein Glück während der Dreharbeiten. Wegen der Pandemie durfte nur eine sehr kleine Gruppe des französischen Teams nach Norwegen einreisen. Wir waren wie eine Familie, die in Norwegen unter Quarantäne stand, an einem absolut magischen Ort! So verbrachten wir unsere Zeit von morgens bis abends draußen, mitten in den Fjorden. Wir gingen spazieren, fuhren Kajak, aßen, probten, tanzten. Gaspard war anders als der Gaspard, den ich in Paris kennen gelernt hatte. Er scherzte die ganze Zeit. Wir fühlten uns alle wunderbar lebendig in dieser intensiven natürlichen Umgebung. Es war wunderbar.
