Was hat euch dazu inspiriert, diesen Film gerade jetzt zu machen und Politik auf eure eigene Weise anzugehen
Evan Johnson: Politische Figuren aus der realen Welt, wie die G7-Anführer, haben eine inhärente cartoonartige oder fiktionale Qualität; man kann mit ihnen mitfühlen, weil sie menschlich sind, sie vielleicht teilweise bewundern, weil sie wichtig sind, und dann zieht man seine Empathie und Bewunderung zurück, weil sie monströs oder idiotisch sind. Dieses Hin und Her hat uns sehr fasziniert. Die Idee, die G7 als eigenständiges Thema anzugehen, war ursprünglich ein Subplot in einem anderen Drehbuch, an dem wir gearbeitet hatten. Es gibt etwas an diesen extrem mächtigen Menschen, die sich jährlich in einer unangenehmen halbgesellschaftlichen Umgebung treffen, das uns jedes Mal zum Lachen brachte, und das wollten wir vollständig erkunden.
Guy Maddin: Die G7-Gipfel in unserem Film haben jährliche Themen. Das diesjährige Thema ist „Reue.“ Zu einem Zeitpunkt sollte hinter den Führenden, während sie für die Presse posierten, ein großes Banner mit der Aufschrift „Reue 2025“ hängen. Jeder Führende würde dann seine eigenen Bedauern äußern – allerdings nur persönliche Enttäuschungen wie „Ich wünschte, ich hätte weiter Klavier gespielt!“ – anstatt etwa Reue für die Ermöglichung von Kriegsverbrechen auszudrücken.
Evan Johnson: Wir mochten die amüsante Chemie zwischen ihrer übertriebenen historischen und weltpolitischen Bedeutung und ihrer erbärmlichen Menschlichkeit. Wir alle sind als Menschen in gewisser Weise erbärmlich, aber bei ihnen ist es besonders ausgeprägt. Diese Diskrepanz zwischen dem Persönlichen und dem Politischen – oder dem Persönlichen und dem Weltgeschichtlichen – war für uns immer eine Quelle der Belustigung. Diese Kluft, dieses Defizit an Würde, war sehr ergiebig, um darüber nachzudenken, was diese Menschen wirklich sind. Guy Maddin: Die G7-Staaten sind nicht dafür bekannt, offiziell Bedauern über irgendetwas auszudrücken.
Gleich zu Beginn des Films wird uns die Idee der Moorleute vorgestellt. Es gibt auch einen sehr deutlichen Witz darüber, dass sie die ursprünglichen Hüter des Landes sind. Hat das eine Rolle dabei gespielt, warum ihr sie als die mysteriösen Antagonisten des Films ausgewählt habt?
Evan Johnson: Wir mochten die Idee eines sich wandelnden Signifikanten, der eine Bedrohung oder ein Antagonist für die Anführer sein könnte, über dessen Natur sie jedoch unsicher waren. Handelt es sich um ihre Wähler, vor denen sie Angst haben? Sind es Terroristen? Sind es Attentäter? Vor welchen Kategorien von Menschen haben sie Angst? Während der Recherche stieß Guy auf die Tatsache, dass einige der Menschen, die rituell geopfert und in den Sumpf geworfen wurden, Anführer ihrer jeweiligen Gruppen waren. Guy Maddin Sie waren wie unsere G7-Anführer, nur aus dem Umkreis. Wir wissen, dass sie eine königliche Henkersmahlzeit bekamen, denn aufgrund der hochspezifischen chemischen Zusammensetzung und des pH-Werts des Moorwassers sind ihre Körper noch 2000 Jahre später bemerkenswert gut erhalten, bis hin zu ihren Fingerabdrücken, Wimpern und dem Inhalt ihrer Mägen. Diese vielleicht unbeliebten Anführer erhielten ein feines Abschiedsmahl, dann wurde ihnen die Kehlen durchgeschnitten, ihre Genitalien abgetrennt und fest um ihre Hälse gewickelt, und ihre Körper wurden rituell in ein Moor gegeben, wo niemand vermutete, dass sie so gut mumifiziert würden. Alles wurde konserviert, außer ihren mysteriös aufgelösten Knochen. Diese hingerichteten Anführer sind nun die schlaffsten Mumien auf der Erde.
Evan Johnson: Wir wollten sie jedoch nie in einer allegorischen Position festhalten oder auf eine einzige Metapher reduzieren, daher ändern sie im Verlauf des Films ihre Position.
Guy Maddin: Wir hatten das Gefühl, dass wir, wenn sich in unserem Drehbuch etwas zu sehr in eine leicht zu deutende Allegorie zu verwandeln schien, schnell einen Richtungswechsel weg von dieser Interpretation einleiten würden. Wir waren nicht daran interessiert, ein Drehbuch zu erstellen, das wie ein Kreuzworträtsel gelöst werden konnte.
Das passt auch zu den Tonalitätswechseln im Film – wenn man denkt, der Film würde sich in eine bestimmte Stimmung einpendeln, passiert etwas, das diese wieder stört. Wie sind diese unterschiedlichen Töne und Stimmungen und der Wechsel zwischen ihnen im Drehprozess entstanden?
Guy Maddin: Immer wenn wir uns als Filmemacher stolz oder wichtig fühlen, müssen wir das sofort untergraben. So sind wir gemacht – in meinem Fall eine widerliche Mischung aus Selbstliebe und Selbsthass. Oh ja, wir selbst sind schon wichtig, aber zum Glück sind wir auch lächerlich. Unsere Filme repräsentieren einen ständigen Fluss zwischen diesen beiden Zuständen und allem dazwischen. Wenn ich einfach die originalen „Three Stooges“ vor die Kamera schieben könnte, wenn die Dinge zu vornehm werden, würde ich es tun. Aber Evans Drehbuch erzeugt diese ständig wechselnden Effekte mit Dialogen, die „Stooges“ sind gar nicht nötig. Seine Worte balancieren auf einem federnden Drahtseil zwischen erhaben und niederträchtig, und oft kann ich nicht feststellen, auf welcher Augenhöhe wir uns befinden. Vielleicht sind wir aber auch nie wirklich weit oben.
Evan Johnson: Es gibt auch einen Ansatz, den wir alle zu mögen scheinen, nämlich von einem unaufrichtigen Ort aus zu beginnen, aber zur Aufrichtigkeit zu gelangen. Wir leben in einem ständigen Zustand der Ironie, aber den Versuch zu unternehmen, durch diese Ironie hindurchzuschneiden und von diesem ziemlich unaufrichtigen Ausgangspunkt aus zu einem aufrichtigen Gefühl zu gelangen, ist ein Ansatz, den wir bevorzugen. Und Guy hat schon immer Künstlichkeit und ihre Distanz als Mittel verwendet, um Sie tatsächlich näher an Emotionen heranzuführen, auch an seine persönlichen Emotionen. Guy Maddin: Einige meiner Lieblingsfilmemacher jonglieren meisterhaft mit Stimmungen und lenken geschickt ab. Josef von Sternbergs Werke mit Marlene Dietrich – besonders Blonde Venus (1932) – verbergen unglaublich starke Emotionen. Das gleiche gilt für Douglas Sirk. Ich liebe diese großartigen Regisseure der Ablenkung, deren Filme oft ästhetisch ansprechend sind und manchmal sogar mit einem glücklichen Ende aufwarten, aber was mit den Charakteren nach dem Abspann passiert, ist nicht immer so rosig. Diese tonale Ablenkung und die unerwarteten Schlusswendungen sind es, die mich jeden Morgen aus dem Bett holen.
Galen Johnson: Beim Schreiben möchten wir uns selbst überraschen. Wir hatten die Idee, einen Film über die G7 zu machen, aber wir wollten uns nicht auf eine traditionelle politische Satire festlegen. Also haben wir uns stattdessen in die Welt der Nacht-Seifenoper gewagt. Dann haben wir uns in Richtung B-Horrorfilm bewegt. Wir wechseln hin und her, und die Herausforderung besteht darin, einen konsistenten Ton beizubehalten. Es soll sich wie eine zusammenhängende Geschichte anfühlen, und nicht wie eine Sammlung verschiedener Elemente wie bei einem Kreuzworträtsel.
Wie seid ihr an die Gestaltung dieses Films herangegangen? Deine Filme sind normalerweise durch ein Gefühl von analoger Filmmaterialität geprägt, eine Art Archiv- oder Found-Footage- Ästhetik.
Galen Johnson: Da der Film zeitgenössisch ist, ergab es keinen Sinn, ihm diesen sehr analogen Retro-Look aufzuzwingen, auch wenn wir diesen Look sehr mögen. Wir haben es mit einer zeitgenössischen Geschichte und Umgebung zu tun. Wir drehen vor Ort in den Wäldern bei Nacht, was bedeutet, dass wir gute digitale Kameras brauchen. Deshalb haben wir uns entschieden, auf die Sicherheit der Verschleierung durch analoge Abreibung zu verzichten.
Evan Johnson: Das Thema ist entscheidend. Mit der G7 müssen wir uns auf das Zeitgenössische einlassen. Der Film zeigt den Kampf einer Gruppe von Menschen, die zusammenkommen, um etwas Relevantes zu schreiben, etwas, das dem Moment würdig ist – es ist eine Dramatisierung unseres eigenen Schreibprozesses: „Wie können wir relevant sein?“, wie es jemand im Film sagt. Es gibt immer eine Krise. Also wird die vage angedeutete Krise im Film immer irgendwie wie die Krise von heute wirken. All das bot eine gute Gelegenheit, das Zeitgenössische zu betonen.
Guy Maddin: Ich begann mich in einem bestimmten Stil eingeengt zu fühlen. Diese Gelegenheit bot eine ausgezeichnete Möglichkeit für eine Veränderung. Ich kehre zu jedem Stil zurück, wenn es nötig ist, um die Geschichte ordentlich oder sogar ungeschickt zu erzählen! Aber ich denke, alles, was als mein oder unser einzigartiges Merkmal in unserer bisherigen Arbeit identifizierbar ist, ist im Schreiben und in der Haltung vorhanden, auch wenn die Oberfläche jetzt ein wenig anders aussieht. Wir wollten einfach unseren visuellen Horizont erweitern.
War es anders, mit diesen größeren Namen zu arbeiten im Vergleich zu deinen früheren Filmen?
Galen Johnson: Ja, es war anders, ich denke, hauptsächlich wegen der Natur des Projekts und wie viel mehr es auf Charakteren basiert im Vergleich zu unserer anderen Arbeiten, die sehr archetypisch ist. Evan Johnson: Sie sind wirklich, wirklich, wirklich, wirklich, wirklich großartige Schauspieler, alle von ihnen. Sie kannten ihre Charaktere und wussten, was ihre Charaktere tun würden. Und sie verteidigten sie vehement – „Mein Charakter würde das nicht tun“ – also setzten wir sie zusammen, und sie gingen einfach darauf ein. Sie sind einfach alle so großartig, voller Ideen und bereit, immer wieder loszulegen.
Guy Maddin: Es ging darum, den Prozess der Schauspieler zu respektieren und ihnen während der Proben zu erlauben, was immer sie brauchten. Sobald wir am Set waren, fügten sie sich plötzlich perfekt ein. Alicia Vikander kam mitten im Dreh in die Stadt und hat ihren eigenen Ansatz zur Vorbereitung. Sie war nervös, weil sie wusste, dass alle anderen von Anfang an zusammen waren; sie wollte nicht mit einem Schauspielstil auffallen, der besser zu einem anderen Film gepasst hätte. Wenn man darüber nachdenkt, könnte das ein großes Problem sein. Also bat sie darum, einige Aufnahmen zu sehen, um den Stil der Darbietung zu studieren, den wir gefilmt hatten. Als sie das erste Mal vor unsere Kameras trat, passte sie perfekt in denselben Film wie alle anderen, nur besser! Und das, ohne ihre Schauspielkollegen vorher getroffen zu haben.
Evan Johnson: Alle sieben Schauspieler waren die ganze Zeit über da. Sie waren immer zusammen, was half, dass sie viel Zeit miteinander verbrachten und eine wirklich intensive Gruppendynamik entwickelten. Ich denke, sie verstanden sich alle gut und mochten einander. Es war schön, Menschen zu helfen, sich zu verstehen und Freundschaften zu schließen, anstatt Feindschaften, was manchmal am Set passiert.
Guy Maddin: Ich hatte ein wenig Sorge, dass zum Beispiel Rolando und Takehiro, die italienischen und japanischen Anführer, die nicht so viele Dialogzeilen haben, nicht so präsent sein würden. Aber wir haben alle gefilmt – selbst wenn sie nicht sprachen, haben wir sie beim Zuhören gefilmt – und beide Schauspieler sind unglaublich großartige Zuhörer auf der Leinwand und machen das Zuhören bedeutungsvoll. Im Schnitt waren wir sehr demokratisch. Es ist wahrscheinlich das Demokratischste an der Weltpolitik, die Kamerazeit, die wir den G7-Anführern in unserem Film gegeben haben. Und keine Unternehmensinteressen waren im Spiel!
Wie war es, als Regie-Trio zusammenzuarbeiten?
Evan Johnson: Es läuft ziemlich reibungslos. Es gibt Herausforderungen, und drei Regisseure sind für die Leute manchmal verwirrend. Aber wir machen das schon lange.
Guy Maddin: Wir haben uns einfach eingelebt und weitergemacht. Wir neigen dazu, uns oft einig zu sein. Unsere wenigen Meinungsverschiedenheiten werden schnell, ohne Groll und hinter den Kulissen beigelegt. Es herrscht immer eine ziemlich lockere Stimmung am Set.
Evan Johnson: Der Geist der Diplomatie!
